Animacja składa się z serii statycznych obrazów prezentowanych w szybkiej sekwencji, aby stworzyć iluzję ruchu. Istnieje wiele sposobów animacji: rysowanie ręczne (flipbook), rysowanie i malowanie na przezroczystym celuloidzie, animacja poklatkowa lub używanie komputera do tworzenia obrazów dwuwymiarowych lub trójwymiarowych. Chociaż każda metoda wykorzystuje różne techniki, wszystkie metody animacji opierają się na tych samych koncepcjach, jak oszukać oko.
Kroki
Metoda 1 z 5: Ogólne koncepcje animacji
Krok 1. Zaplanuj historię, którą chcesz animować
W przypadku prostych animacji, takich jak flipbook, prawdopodobnie możesz wszystko zaplanować w głowie, ale w przypadku bardziej złożonej pracy musisz stworzyć storyboard. Storyboard przypomina przerośnięty komiks, łączący słowa i obrazy, aby podsumować całą historię lub jej część.
Jeśli twoja animacja będzie wykorzystywała postacie o skomplikowanym wyglądzie, będziesz musiał również przygotować arkusze modeli pokazujące, jak wyglądają w różnych pozach i na całej długości
Krok 2. Zdecyduj, które części Twojej historii wymagają animacji, a które mogą pozostać statyczne
Zwykle nie jest konieczne ani opłacalne, aby każdy obiekt w historii poruszał się, aby skutecznie ją opowiedzieć. Nazywa się to ograniczoną animacją.
- W przypadku kreskówki przedstawiającej lecącego Supermana możesz chcieć pokazać tylko łopoczącą pelerynę Człowieka ze Stali i chmury przemykające z pierwszego planu na tło na statycznym niebie. W przypadku animowanego logo możesz chcieć, aby obracała się tylko nazwa firmy, aby zwrócić na nie uwagę, a następnie tylko ustaloną liczbę razy, aby ludzie mogli wyraźnie odczytać nazwę.
- Ograniczona animacja w kreskówkach ma tę wadę, że nie wygląda szczególnie realistycznie. W przypadku kreskówek skierowanych do małych dzieci nie jest to aż tak istotne, jak w przypadku dzieł animowanych przeznaczonych dla starszej publiczności.
Krok 3. Określ, które części animacji możesz powtarzać
Niektóre działania można podzielić na sekwencyjne rendery, które można wielokrotnie wykorzystać w sekwencji animacji. Taka sekwencja nazywa się pętlą. Akcje, które można zapętlić, obejmują:
- Piłka odbijająca się.
- Chodzenie/bieganie.
- Ruch ustami (mówienie).
- Skakanka.
- Trzepotanie skrzydeł/peleryny.
Krok 4. Samouczki dotyczące niektórych z tych działań można znaleźć na stronie Angry Animator pod adresem
Metoda 2 z 5: Tworzenie Flipbooka
Krok 1. Zdobądź kilka kartek papieru, które możesz przerzucić
Flipbook składa się z kilku kartek papieru, zwykle oprawionych na jednej krawędzi, co tworzy iluzję ruchu, gdy chwycisz kciukiem przeciwną krawędź i przerzucasz strony. Im więcej kartek w flipbooku, tym bardziej realistyczny wydaje się ruch. (Film z akcją na żywo wykorzystuje 24 klatki/obrazy na sekundę, podczas gdy większość animowanych kreskówek używa 12.) Możesz stworzyć książkę na kilka sposobów:
- Zszywaj lub łącz razem arkusze papieru maszynowego lub konstrukcyjnego.
- Użyj notatnika.
- Użyj bloczka z karteczkami samoprzylepnymi.
Krok 2. Utwórz indywidualne obrazy
Możesz tworzyć obrazy w animacji flipbooka na jeden z kilku sposobów:
- Narysuj je ręcznie. Jeśli to zrobisz, zacznij od prostych obrazów (rysunków) i tła i stopniowo zajmij się bardziej złożonymi rysunkami. Musisz zadbać o to, aby tła były spójne na każdej stronie, aby uniknąć roztrzęsienia podczas przewracania stron.
- Fotografie. Możesz zrobić kilka zdjęć cyfrowych, a następnie wydrukować je na arkuszach papieru i połączyć je ze sobą lub użyć aplikacji do stworzenia cyfrowego flipbooka. Najłatwiej to zrobić, jeśli Twój aparat jest wyposażony w tryb zdjęć seryjnych, który pozwala na zrobienie kilku zdjęć przy wciśniętym przycisku.
- Wideo cyfrowe. Niektóre pary nowożeńców decydują się na tworzenie flipbooków na stolikach kawowych z ich ślubu, korzystając z części filmu nakręconego podczas ich ślubu. Wyodrębnianie pojedynczych klatek wideo wymaga użycia komputera i oprogramowania do edycji wideo, a wiele par decyduje się na przesyłanie swoich filmów do firm internetowych, takich jak FlipClips.com.
Krok 3. Złóż obrazy razem
Jeśli rysowałeś ręcznie obrazy w już oprawionym notatniku, montaż jest zrobiony za Ciebie. W przeciwnym razie ułóż obrazy tak, aby pierwszy obraz znajdował się na dole stosu, a ostatni na górze, i połącz arkusze razem.
Możesz poeksperymentować z pominięciem lub przestawieniem kilku obrazów, aby animacja wydawała się bardziej szarpana, lub zmienić wzór animacji, zanim zwiążesz książkę
Krok 4. Przejrzyj strony
Zegnij strony kciukiem do góry i zwolnij je z równomierną prędkością. Powinieneś zobaczyć ruchomy obraz.
Animatorzy pióra i tuszu stosują podobną technikę ze wstępnymi rysunkami przed ich kolorowaniem i tuszowaniem. Układają je jeden na drugim, od pierwszej do ostatniej, a następnie przytrzymują jedną z krawędzi podczas przeglądania rysunków
Metoda 3 z 5: Tworzenie animacji piórem i atramentem (cel)
Krok 1. Przygotuj storyboard
Większość projektów animacyjnych stworzonych za pomocą animacji piórem i atramentem wymaga dużego zespołu artystów. Wymaga to stworzenia storyboardu, aby poprowadzić animatorów, a także przekazać proponowaną historię producentom przed rozpoczęciem rzeczywistych prac rysunkowych.
Krok 2. Nagraj wstępną ścieżkę dźwiękową
Ponieważ łatwiej jest skoordynować animowaną sekwencję ze ścieżką dźwiękową niż ścieżkę dźwiękową z animowaną sekwencją, musisz nagrać wstępną lub „zarysowaną” ścieżkę dźwiękową składającą się z następujących elementów:
- Głosy postaci
- Wokal do dowolnych piosenek
- Tymczasowy utwór muzyczny. Ostateczny utwór, wraz z wszelkimi efektami dźwiękowymi, jest dodawany w postprodukcji.
- Animowane kreskówki przed latami 30. i do lat 30. tworzyły najpierw animację, potem dźwięk. Fleischer Studios zrobiło to w swoich najwcześniejszych kreskówkach Popeye, które wymagały od aktorów głosowych ad-lib między skryptowymi miejscami w dialogu. To wyjaśnia humorystyczne mruczenia Popeye'a w kreskówkach, takich jak „Wybierz swoje Weppins”.
Krok 3. Przygotuj wstępną historię
Ta rolka lub animatik synchronizuje ścieżkę dźwiękową ze scenorysem, aby znaleźć i naprawić błędy synchronizacji w ścieżce dźwiękowej lub skrypcie.
Agencje reklamowe wykorzystują zarówno animatykę, jak i fotomatykę, serię cyfrowych fotografii zsekwencjonowanych razem, aby stworzyć surową animację. Są one zwykle tworzone ze zdjęć stockowych, aby obniżyć koszty
Krok 4. Utwórz arkusze modeli dla głównych postaci i ważnych rekwizytów
Arkusze te pokazują postacie i przedmioty pod różnymi kątami, a także styl, w jakim mają być narysowane postacie. Niektóre postacie i przedmioty mogą być modelowane w trzech wymiarach za pomocą rekwizytów zwanych maquettes (modele w małej skali).
Tworzone są również arkusze referencyjne dla środowisk potrzebnych do miejsca, w którym odbywa się akcja
Krok 5. Popraw czas
Przejrzyj animatik, aby zobaczyć, jakie pozy, ruchy ust i inne działania będą konieczne dla każdej klatki historii. Zapisz te pozy w tabeli zwanej arkuszem ekspozycji (arkusz X).
Jeśli animacja jest przede wszystkim ustawiona na muzykę, na przykład Fantasia, możesz również utworzyć arkusz paskowy, aby skoordynować animację z nutami partytury muzycznej. W niektórych produkcjach arkusz prętowy może zastąpić arkusz X
Krok 6. Rozłóż sceny fabularne
Animowane kreskówki są ułożone w podobny sposób, w jaki operator blokuje sceny w filmie akcji na żywo. W przypadku dużych produkcji grupy artystów opracowują wygląd tła pod kątem kątów i ścieżek kamery, oświetlenia i cieniowania, podczas gdy inni artyści opracowują niezbędne pozy dla każdej postaci w danej scenie. W przypadku mniejszych produkcji reżyser może dokonać wszystkich tych ustaleń.
Krok 7. Utwórz drugi animatic
Ten animatic składa się z scenorysu i rysunków układu wraz ze ścieżką dźwiękową. Kiedy reżyser to zatwierdzi, zaczyna się właściwa animacja.
Krok 8. Narysuj ramki
W tradycyjnej animacji każda ramka jest rysowana ołówkiem na przezroczystym papierze perforowanym na krawędziach, aby pasowała do kołków na fizycznej ramie zwanej kołkiem, która z kolei jest przymocowana do biurka lub lekkiego stołu. Pasek kołków zapobiega przesuwaniu się papieru, dzięki czemu każdy element renderowanej sceny pojawia się tam, gdzie powinien.
- Zwykle najpierw renderowane są tylko kluczowe punkty i działania. Wykonuje się test ołówka, używając zdjęć lub skanów rysunków zsynchronizowanych ze ścieżką dźwiękową, aby upewnić się, że szczegóły są poprawne. Dopiero wtedy dodawane są szczegóły, po czym one również są testowane ołówkiem. Gdy wszystko zostanie tak przetestowane, jest wysyłane do innego animatora, który przerysowuje go, aby nadać mu bardziej spójny wygląd.
- W dużych produkcjach do każdej postaci może zostać przydzielony zespół animatorów, przy czym główny animator renderuje kluczowe punkty i czynności, a asystenci renderują szczegóły. Kiedy postacie narysowane przez oddzielne zespoły wchodzą w interakcję, główni animatorzy każdej postaci ustalają, która postać jest główną postacią tej sceny, a ta postać jest renderowana jako pierwsza, a druga postać jest rysowana, aby reagować na działania pierwszej postaci.
- W każdej fazie rysowania tworzony jest poprawiony animatic, mniej więcej odpowiednik codziennych „pędów” filmów akcji na żywo.
- Czasami, zwykle podczas pracy z realistycznie narysowanymi postaciami ludzkimi, rysunki kadrów są odwzorowywane na fotosach aktorów i scenerii na filmie. Proces ten, opracowany w 1915 roku przez Maxa Fleischera, nazywa się rotoscopingiem.
Krok 9. Pomaluj tła
Podczas rysowania ramek rysunki tła są przekształcane w „zestawy” do fotografowania rysunków postaci. Dziś zwykle wykonywane cyfrowo, malowanie można wykonać tradycyjnie za pomocą jednego z kilku mediów:
- Gwasz (forma akwareli z grubszymi cząsteczkami pigmentu)
- Farba akrylowa
- Olej
- Akwarela
Krok 10. Przenieś rysunki na komórki
Skrót od „celuloidu”, komórki to cienkie, przezroczyste arkusze plastiku. Podobnie jak w przypadku papieru do rysowania, ich krawędzie są perforowane, aby pasowały do kołków kołka. Obrazy można prześledzić z rysunków tuszem lub skopiować na cel. Celka jest następnie malowana na odwrocie przy użyciu tego samego rodzaju farby do malowania tła.
- Malowany jest tylko obraz postaci na obiekcie na celi; reszta pozostaje niepomalowana.
- Bardziej wyrafinowaną formę tego procesu opracowano na potrzeby filmu Czarny kocioł. Rysunki zostały sfotografowane na kliszy wysokokontrastowej. Negatywy zostały wywołane na celach pokrytych barwnikiem światłoczułym. Nienaświetlona część celi została chemicznie wyczyszczona, a drobne szczegóły zostały ręcznie naniesione tuszem.
Krok 11. Nałóż i sfotografuj komórki
Wszystkie komórki są umieszczone na pasku kołków; każda komórka zawiera odniesienie wskazujące, gdzie jest umieszczona na stosie. Na stos kładzie się taflę szkła, aby ją spłaszczyć, a następnie fotografuje się. Komórki są następnie usuwane, a nowy stos jest tworzony i fotografowany. Proces powtarza się, aż każda scena zostanie skomponowana i sfotografowana.
- Czasami zamiast umieszczać wszystkie komórki na jednym stosie, tworzonych jest kilka stosów, a kamera porusza się w górę lub w dół przez stosy. Ten rodzaj kamery nazywa się kamerą wielopłaszczyznową i służy do dodawania iluzji głębi.
- Nakładki można dodawać na komórce tła, na komórkach znaków lub na wszystkich komórkach, aby dodać dodatkową głębię i szczegółowość wynikowemu obrazowi przed jego sfotografowaniem.
Krok 12. Połącz ze sobą sfotografowane sceny
Poszczególne obrazy są sekwencjonowane razem jako klatki filmowe, które po uruchomieniu w sekwencji tworzą iluzję ruchu.
Metoda 4 z 5: Tworzenie animacji poklatkowej
Krok 1. Przygotuj storyboard
Podobnie jak w przypadku innych form animacji, storyboard zapewnia przewodnik dla animatorów i sposób komunikowania innym, w jaki sposób ma przebiegać historia.
Krok 2. Wybierz rodzaj obiektów do animacji
Podobnie jak w przypadku animacji piórem i atramentem, animacja poklatkowa polega na tworzeniu wielu obrazów obrazów, które mają być wyświetlane w szybkiej sekwencji, aby stworzyć iluzję ruchu. Jednak animacja poklatkowa zwykle wykorzystuje obiekty trójwymiarowe, chociaż nie zawsze tak jest. Do animacji poklatkowej można użyć dowolnego z poniższych:
- Wycinanki z papieru. Możesz wycinać lub rozrywać kawałki papieru na części postaci ludzi i zwierząt i układać je na narysowanym tle, aby uzyskać surową dwuwymiarową animację.
- Lalki lub pluszaki. Najbardziej znana z animowanych produkcji Rankina-Bassa, takich jak Rudolph, The Red-Nosed Reindeer czy Santa Claus Is Coming to Town i Adult Swim's Robot Chicken, ta forma animacji poklatkowej sięga czasów Alberta Smitha i Stuarta Blacktona The Humpty Dumpty Circus z 1897 roku.. Jeśli jednak chcesz, aby poruszały ustami, gdy mówią, musisz stworzyć wycięcia dla różnych wzorów ust, aby przyczepić je do swoich pluszaków.
- Figurki z gliny. Najbardziej znanym współczesnym przykładem tej techniki jest animowana animowana California Rodzynki Willa Vintona, ale jej początki sięgają 1912 roku Modeling Extraordinary i dzięki niej w latach pięćdziesiątych Art Clokey's Gumby stał się gwiazdą telewizyjną. Być może będziesz musiał użyć armatury do niektórych glinianych figurek i wstępnie wyrzeźbionych podstaw nóg, tak jak zrobił to Marc Paul Chinoy w swoim filmie I go Pogo z 1980 roku.
- Modele. Modele mogą być prawdziwymi lub fantazyjnymi stworzeniami lub pojazdami. Ray Harryhausen wykorzystał animację poklatkową do fantastycznych stworzeń z takich filmów jak Jazon i Argonauci oraz Złota podróż Sindbada. Industrial Light & Magic wykorzystało animację poklatkową pojazdów, aby AT-AT przemierzały lodowe pustkowia Hoth w grze Imperium kontratakuje.
Krok 3. Nagraj wstępną ścieżkę dźwiękową
Podobnie jak w przypadku animacji piórem i tuszem, będziesz potrzebować ścieżki dźwiękowej scratch, aby zsynchronizować akcję. Może być konieczne utworzenie arkusza ekspozycji, arkusza pasków lub obu.
Krok 4. Zsynchronizuj ścieżkę dźwiękową i scenorys
Podobnie jak w przypadku animacji piórem i atramentem, chcesz wypracować czas między ścieżką dźwiękową a animacją, zanim zaczniesz przesuwać obiekty.
- Jeśli planujesz mieć postacie mówiące, będziesz musiał wypracować prawidłowe kształty ust w dialogu, który mają wypowiedzieć.
- Może się okazać, że konieczne będzie stworzenie czegoś podobnego do fotomatyki opisanej w dziale o animacji piórem i atramentem.
Krok 5. Rozłóż sceny fabularne
Ta część animacji poklatkowej byłaby również podobna do tego, w jaki operator blokuje film akcji na żywo, nawet bardziej niż w przypadku animacji piórem i atramentem, ponieważ najprawdopodobniej pracujesz w trzech wymiarach, jak na żywo. film akcji.
Podobnie jak w przypadku filmu akcji na żywo, bardziej prawdopodobne jest, że będziesz musiał zająć się faktycznym oświetleniem sceny, a nie rysowaniem efektów światła i cienia, jak w przypadku animacji piórem i tuszem
Krok 6. Ustaw i sfotografuj elementy sceny
Prawdopodobnie będziesz chciał zamontować aparat na statywie, aby utrzymać go stabilnie podczas sekwencji fotografowania. Jeśli masz timer, który umożliwia automatyczne robienie zdjęć, możesz go użyć, jeśli możesz ustawić go na wystarczająco długi czas, aby umożliwić dostosowanie komponentów podczas sceny.
Krok 7. Przenieś elementy, które chcesz przenieść i ponownie sfotografuj scenę
Powtarzaj to, aż skończysz fotografować całą scenę od początku do końca.
Animator Phil Tippett opracował sposób na kontrolowanie niektórych ruchów modeli przez komputer w celu uzyskania bardziej realistycznych ruchów. Nazywana „go motion”, metoda ta została użyta w The Empire Strikes Back, a także w Dragonslayer, RoboCop i RoboCop II
Krok 8. Połącz sfotografowane obrazy w sekwencję
Podobnie jak w przypadku sfotografowanych komórek w animacji piórem i atramentem, poszczególne ujęcia z animacji poklatkowej stają się klatkami filmowymi, które tworzą iluzję ruchu, gdy są uruchamiane jeden po drugim.
Metoda 5 z 5: Tworzenie animacji komputerowej
Krok 1. Zdecyduj, czy chcesz specjalizować się w animacji 2D czy 3D
Animacja komputerowa sprawia, że robienie animacji dwuwymiarowej lub trójwymiarowej jest łatwiejsze niż ręczne wykonywanie pracy.
Animacja trójwymiarowa wymaga nauki dodatkowych umiejętności poza animacją. Musisz nauczyć się oświetlać scenę, a także tworzyć iluzję tekstury
Krok 2. Wybierz odpowiedni sprzęt komputerowy
To, ile potrzebujesz komputera, zależy od tego, czy robisz animację 2D czy 3D.
- W przypadku animacji 2D szybki procesor jest pomocny, ale nie jest to absolutnie konieczne. Niemniej jednak, kup czterordzeniowy procesor, jeśli możesz sobie na to pozwolić, a przynajmniej dwurdzeniowy procesor, jeśli kupujesz używany komputer.
- Jednak w przypadku animacji 3D potrzebujesz najszybszego procesora, na jaki możesz sobie pozwolić, ze względu na całą pracę związaną z renderowaniem. Będziesz także chciał mieć znaczną ilość pamięci do obsługi tego procesora. Prawdopodobnie wydasz kilka tysięcy dolarów na nową stację roboczą.
- W przypadku obu form animacji będziesz potrzebować tak dużego monitora, jaki może pomieścić zaplanowany obszar roboczy, i możesz rozważyć konfigurację z dwoma monitorami, jeśli masz jednocześnie otwartych kilka okien programów zorientowanych na szczegóły. Niektóre monitory, takie jak Cintiq, są zaprojektowane specjalnie do animacji.
- Powinieneś również rozważyć użycie tabletu graficznego, urządzenia wejściowego podłączonego do komputera z powierzchnią, na której rysujesz rysikiem, takiego jak Intuos Pro, zamiast myszy. Na początek możesz chcieć użyć tańszego rysika do prześledzenia rysunków ołówkiem w celu przeniesienia obrazów na komputer.
Krok 3. Wybierz oprogramowanie odpowiednie do Twojego poziomu umiejętności
Oprogramowanie jest dostępne zarówno dla animacji 2D, jak i 3D, z niedrogimi opcjami dostępnymi dla początkujących oraz bardziej wyrafinowanymi i droższymi opcjami, do których można migrować w zależności od budżetu i umiejętności.
- W przypadku animacji 2D możesz szybko tworzyć animowane obrazy za pomocą programu Adobe Flash, korzystając z jednego z wielu dostępnych bezpłatnych samouczków. Gdy jesteś gotowy, aby nauczyć się animować klatka po klatce, możesz użyć programu graficznego, takiego jak Adobe Photoshop, lub programu, który ma funkcję podobną do funkcji osi czasu programu Photoshop.
- W przypadku animacji 3D możesz zacząć od darmowych programów, takich jak Blender, a następnie przejść do bardziej zaawansowanych programów, takich jak Cinema 4D lub standard branżowy Autodesk Maya.
Krok 4. Ćwicz
Zanurz się w oprogramowaniu, którego używasz, ucząc się, jak tworzyć za jego pomocą, a następnie siadaj i twórz własne animacje. Skompiluj te animacje w bęben demonstracyjny, który możesz pokazać innym, indywidualnie lub online.
- Podczas eksploracji pakietu oprogramowania do animacji spójrz na „Część trzecia: Tworzenie animacji piórem i atramentem”, jeśli oprogramowanie jest przeznaczone do animacji 2D i „Część czwarta: Tworzenie animacji poklatkowej”, aby określić, które części procesu oprogramowanie zautomatyzuje za Ciebie i jakie części będziesz musiał zrobić poza nim.
- Możesz publikować filmy wideo na własnej stronie internetowej, która powinna być zarejestrowana pod własnym imieniem lub nazwiskiem firmy.
- Możesz także publikować w witrynie takiej jak YouTube lub Vimeo. Vimeo umożliwia zmianę publikowanego filmu bez zmiany linku do niego, co może być pomocne podczas tworzenia najnowszego arcydzieła.
Porady
- Ogólne książki, do których możesz się odwołać podczas nauki animacji, to między innymi Animacja dla początkujących Morra Meroza, Zestaw przetrwania animatora Richarda Williamsa oraz Iluzje życia Franka Thomasa i Olliego Johnstona. Jeśli chcesz nauczyć się animacji w stylu kreskówkowym, przeczytaj Animację kreskówkową Prestona Blaira.
- Jeśli szczególnie interesujesz się animacją 3D, przeczytaj „Jak oszukiwać w Maya”. Aby dowiedzieć się więcej o komponowaniu scen i ujęć, przeczytaj artykuł Jeremy'ego Vineyarda Ustawianie swoich ujęć.
- Animację można połączyć z akcją na żywo. MGM zrobiło to w 1944 roku w Anchors Aweigh, gdzie Gene Kelly tańczył z Jerrym Mouse (sławnym Tomem i Jerrym) w jednej scenie. Serial telewizyjny Hanny-Barbery z 1968 r., Nowe przygody Huckleberry Finn, łączył żywych aktorów grających Hucka, Toma Sawyera i Becky Thatcher, z animowanymi postaciami i tłem. Nowszym przykładem animacji komputerowej jest Sky Captain and the World of Tomorrow z 2004 roku, w którym aktorzy Jude Law, Gwyneth Paltrow i Angelina Jolie występują z komputerowymi tłami i pojazdami.
- Jeśli chcesz uzyskać płynniejszą animację (tylko dla urządzeń elektronicznych) dodaj kilka klatek pośrednich. Zalecane jest używanie stick nodes, ponieważ automatycznie wygładza animację (włącz animację), a w przypadku komputerów, laptopów itp. powinieneś używać Adobe Flash. To już tak, jakbyś był zawodowcem.
