4 sposoby na pisanie, reżyserowanie i edytowanie własnego filmu

2024 Autor: Robert Blare | [email protected]. Ostatnio zmodyfikowany: 2023-12-17 07:58

Czy kiedykolwiek chciałeś zrobić własny film? Pisanie, reżyserowanie i nauka montażu własnego filmu to przytłaczająca propozycja, ale daje Ci najwyższą kreatywną kontrolę nad Twoim dziełem. Powinieneś być gotowy na włożenie dużo pracy tylko po to, aby stworzyć swój film, ale powinieneś też być gotowy na dużo zabawy. Więc złap kilku przyjaciół, chwyć kamerę i przygotuj się do akcji – Hollywood woła.

Kroki

Metoda 1 z 4: Pisanie filmu

Krok 1. Wymyśl pomysł

Jeśli nie masz wyobraźni wielkości Oceanii, to będzie najtrudniejsza część. Jednak wymyślenie pomysłu na film nie musi być intensywnym starciem z Muzą Artystyczną. Postaraj się uzyskać jedno dobre zdanie, takie jak to, które przeczytałeś w opisie filmu, aby oprzeć swój film na podstawie. Jaki konflikt, charakter lub historię chcesz opowiedzieć? Podczas planowania pamiętaj o kilku rzeczach:

• Mniejsze jest lepsze - jeśli kręcisz to sam, każda dodatkowa postać, lokalizacja i efekt specjalny będą musiały zostać sfinansowane i rozpracowane w pewnym momencie.
• Do jakiego gatunku dążysz? Komedia? Science fiction? Dramat? Kiedy już znasz swój gatunek, możesz zacząć myśleć o fabułach i postaciach, które do niego pasują.
• Jakie są kombinacje filmowe, których nie widziałeś? Choć wydaje się to dziecinne, prawie wszystkie filmy i programy telewizyjne są hybrydami innych filmów, telewizji i gatunków. Na przykład Zmierzch to Wampir + powieść romansowa. Widziałeś dobry komediowy western? Co powiesz na stoner science-fiction? Jak w nieoczekiwany sposób możesz dopasować swoje zainteresowania?
• Gdzie masz doświadczenie? Czy potrafisz w oryginalny sposób skomentować codzienne życie pracownika biurowego? Czy wiesz więcej o disc golfie niż ktokolwiek inny? Czy w tych doświadczeniach jest gdzieś film?
• Poszukaj inspiracji w „liniach dziennika” swoich ulubionych filmów. Są to podobne jednozdaniowe streszczenia filmów używanych do sprzedaży scenariusza reżyserom filmowym. Możesz przeszukiwać tysiące z nich online.

Krok 2. Wymyśl swoje postacie

Postacie prowadzą historie. Prawie wszystkie filmy są wynikiem postaci, która czegoś chce, ale nie jest w stanie tego zdobyć. Następnie film pokazuje próby i udręki bohatera (postaci), gdy próbuje spełnić swoje pragnienia (zdobyć dziewczynę, uratować świat, ukończyć studia itp.). Widzowie odnoszą się do postaci, a nie do filmu, więc potrzebujesz aby upewnić się, że masz dobrze przemyślane postacie przed rozpoczęciem. Dobre postacie:

• Są okrągłe.

  Oznacza to, że mają wiele aspektów, a nie tylko „zły człowiek” lub „silna bohaterka”. Okrągłe postacie mają mocne i słabe strony, dzięki czemu można je utożsamiać z publicznością.

• Miejcie pragnienia i lęki.

  Nawet jeśli jest tylko jeden z nich, dobra postać czegoś chce, ale nie jest w stanie tego zdobyć. Ich zdolność lub niezdolność do pokonania strachu (bycia biednym, samotności, kosmitów, pająków itp.) jest tym, co napędza ich konflikt.

• Mieć agencję.

  Dobra postać nie jest kręcona, ponieważ twój skrypt potrzebuje ich, by gdzieś się udały. Dobra postać dokonuje wyborów, które popychają fabułę do przodu. Czasami jest to tylko jeden wybór, który napędza wszystko inne (Llewellyn, To nie jest kraj dla starych ludzi), czasami jest to seria dobrych/złych wyborów w każdej scenie (American Hustle).

Krok 3. Naszkicuj główne punkty fabularne swojego filmu

Niektórzy ludzie lubią wymyślać postacie i przesłanki, a potem zaczynają pisać. Wszyscy scenarzyści dostrzegają jednak wartość 5-punktowej fabuły, w której na film składa się 5 kluczowych, eskalacji momentów. Prawie każdy zrealizowany film jest zgodny z tą ogólną strukturą, od Jurassic Park i Just Friends po Jupiter Ascending. Nie oznacza to, że twój skrypt musi być zgodny z tym szablonem, ale jest metoda na to szaleństwo. W każdym filmie jest 5 głównych momentów, które przypadają dokładnie w tym samym miejscu i potrzebujesz dobrego powodu, aby odejść od tego systemu, jeśli chcesz być „oryginalny”:

• Ustawić:

  Kim są twoi bohaterowie, gdzie mieszkają i czego chcą? To jest pierwsze 10% lub mniej Twojego filmu.

• Zmiana planów/szansa/konflikt:

  Dzieje się coś, co wprawia twój konflikt w ruch - Erin Brockovich dostaje pracę, szkoła Superbada urządza przyjęcie, Neo poznaje Matrix itd. To mniej więcej 1/3 punktu twojego scenariusza.

• Punkt bez powrotu:

  Do tego momentu bohaterowie ciężko pracują, aby ich cele stały się rzeczywistością. Ale w połowie filmu dzieje się coś, co uniemożliwia powrót. Złoczyńca z Bonda ponownie atakuje, Gladiator przybywa do Rzymu, Thelma i Louise okradają ich pierwszy sklep itd.

• Poważna wpadka:

  Od momentu, w którym nie ma powrotu, stawki wzrosły. Bohaterom i widzom cała nadzieja wydaje się stracona. To wtedy dziewczyna i chłopak rozstają się w każdej komedii romantycznej, jaką kiedykolwiek nakręcono, kiedy Ron Burgundy zostaje zwolniony w Anchorman, a John McClane zostaje pobity i zakrwawiony w Szklanej pułapce. To pojawia się na 75% znaku twojej historii.

• Punkt kulminacyjny:

  Bohaterowie dokonują ostatniego, pełnego nacisku, aby osiągnąć swoje cele, czego kulminacją jest największe wyzwanie ze wszystkich. To jest bieg przez moment na lotnisku, ostatnie dziury w Caddyshack lub starcie między bohaterem a złoczyńcą. Po rozwiązaniu ostatnie 10% scenariusza wiąże luźne końce i pokazuje następstwa kulminacji.

Krok 4. Napisz swój skrypt

Jeśli sam produkujesz film, możesz użyć dowolnego formatu pisania. Jednak oprogramowanie do pisania scenariuszy, takie jak Celtx, Writer Duets i Final Draft, pomoże Ci uzyskać formatowanie studyjnej jakości wraz z narzędziami przeznaczonymi dla scenarzystów. Te programy sformatują automatycznie i są świetnym sposobem na poznanie długości filmu - 1 strona sformatowanego skryptu to mniej więcej 1 minuta czasu wyświetlania na ekranie.

• Daj sobie kilka uwag na temat scenerii, scenerii i aktorów, ale skup się głównie na dialogu. Pozostałe decyzje podejmiesz później, kiedy będziesz miał kamery, aktorów i lokalizacje.
• Przygotuj się również na przepisywanie. Prawie niemożliwe jest, aby wszystkie chwile – postacie, fabuły, motywy, dowcipy itp. – były od razu widoczne. Gdy skończysz, wróć do scenariusza i spróbuj przeczytać go obiektywnie. Czy obejrzałbyś ten film?

Krok 5. Przeczytaj tabelę, aby poprawić swoje pisanie

Odczyty ze stołu są niezbędne do doskonalenia dobrego scenariusza i przygotowania się do filmu. Zbierz kilku przyjaciół lub aktorów i daj każdemu scenariusz z 2-3 dniowym wyprzedzeniem. Następnie zaproś ich i przeprowadź na sucho cały film, każąc im wypowiedzieć części, podczas gdy ty lub ktoś inny będzie opowiadał o działaniach. Zanotuj wszelkie wersy, które brzmią nienaturalnie lub niezręcznie, gdzie scena jest krótka i jak długo trwa przeczytanie scenariusza.

• Zapytaj aktorów/przyjaciół, co myślą. Gdzie się pogubili, co kochali? Zapytaj ich, czy czuli, że ich postać jest dobrze przemyślana i konsekwentna.
• Staraj się nie odgrywać żadnej roli i po prostu słuchaj. Czy słyszysz, jak Twój film ożywa? Czy to brzmi tak, jak się spodziewałeś? Chcesz usłyszeć te chwile teraz, a nie wtedy, gdy włączają się kamery.

Metoda 2 z 4: Przygotowanie do produkcji

Krok 1. Zrób listę wszystkich swoich potrzeb sprzętowych i sprzętowych

Nakręcenie filmu wymaga dużej ilości sprzętu, w tym kamer, mikrofonów i świateł. Zrób szybki spis tego, co masz na ekwipunek, a następnie znajdź sposoby na wypełnienie dziur:

• Kamery:

  Oczywiście nigdy nie można było nakręcić filmu bez kamery. W przypadku większości filmów potrzebujesz co najmniej 2 kamer, a najlepiej 3. To powiedziawszy, nowoczesne postępy w kamerach umożliwiły kręcenie filmu za pomocą iPhone'a 6, więc nie musisz już tracić dużych pieniędzy. Najważniejszą rzeczą dla profesjonalnego filmu jest posiadanie kamer, które nagrywają w tym samym formacie (na przykład 1080i), w przeciwnym razie jakość wideo będzie się subtelnie zmieniać z każdym cięciem. Jeśli masz ograniczony budżet, zwykle możesz skorzystać z telefonu lub standardowej lustrzanki cyfrowej.

• Mikrofony:

  Jeśli masz kłopoty, wydaj pieniądze na sprzęt audio: udowodniono, że widzowie zauważają zły dźwięk przed złym obrazem. Chociaż możesz użyć dołączonych mikrofonów kamery, jeśli musisz, mikrofon Tascam lub shotgun jest zawsze opłacalną inwestycją.

• Oświetlenie:

  Jeśli możesz uzyskać świetny 3-5-częściowy zestaw oświetleniowy, użyj go. Te światła mają wiele funkcji i ustawień, które pomagają oświetlić każdą sytuację, jaką można sobie wyobrazić. Jednak 5-10 tanich lamp zaciskowych i przedłużaczy oświetliło wiele filmów niezależnych. Wszystko, czego potrzebujesz, to światła i różne żarówki (wolframowe, matowe, LED itp.), aby dostosować swoją scenę.

• Niezbędne akcesoria:

  W zależności od filmu potrzebne będą karty pamięci, zapasowy dysk twardy, statywy, reflektory, przedłużacze, czarna taśma (do zakrycia lub przyklejenia przewodów) oraz oprogramowanie do komputerowej edycji wideo.

Krok 2. Zrób storyboard dla każdej sceny

Scenorysy wyglądają trochę jak szorstkie komiksy – rysujesz ogólne ujęcie, a następnie dodajesz okno dialogowe, które należy opowiedzieć pod spodem. Możesz łatwo pobrać szablony online, a następnie narysować je przed sesją. Scenorysy są jak listy kontrolne podczas filmowania, pomagając uchwycić każde potrzebne ujęcie, dzięki czemu podczas edycji nie zdasz sobie sprawy, że nagle coś tracisz.

• Każda narysowana klatka staje się twoją listą ujęć – szczegółową książką wypełnioną wszystkimi kątami kamery, które musisz uchwycić, aby opowiedzieć swoją historię. Po zakończeniu scenorysu skopiuj go i umieść w segregatorze w celu późniejszego wykorzystania.
• Notuj cięcia i przejścia oraz niezbędne efekty dźwiękowe. Te rysunki nie muszą być sztuką, muszą wizualnie opowiadać historię Twojego filmu.
• Mogą wydawać się nudne, ale pozwalają zaoszczędzić czas na planie, który szybko staje się kosztowny.

Krok 3. Znajdź swoje zestawy i lokalizacje

Istnieje wiele szkół myślenia o wyborze zestawów i żadna z nich nie jest błędna. Możesz tworzyć własne zestawy, aby uzyskać pełną kontrolę nad kreatywnością, ale wymaga to czasu i dużo pieniędzy. Możesz strzelać w domach i miejscach, do których masz łatwy dostęp, takich jak dom znajomego lub podwórko. Alternatywnie możesz wynająć miejsca, które kochasz, uzyskując prawa do filmowania w szkole, hotelu lub parku. Bez względu na to, co robisz, upewnij się, że Twój zestaw pasuje do filmu i pozwoli Tobie i Twojej ekipie przejąć to miejsce na wiele godzin bez przeszkód.

Krok 4. Użyj swojej scenorysu i listy wyposażenia, aby stworzyć swój budżet

To może być moment, w którym każdy filmowiec nienawidzi najbardziej, ale zanim zaczniesz kręcić, potrzebujesz realistycznego obrazu kosztów filmu. Nie chcesz, na przykład, być w połowie kręcenia i zdajesz sobie sprawę, że nie możesz już sobie pozwolić na wypożyczenie samochodu na kulminacyjną scenę pościgu. Utrzymuj budżet prosty i realistyczny. Czy naprawdę potrzebujesz 10 rekwizytów, czy możesz zrobić z 2? Czy możesz wyeliminować lub zmienić scenę ze 100 dodatkami, aby mieć 10? Musisz przeznaczyć budżet na:

• Sprzęt, którego obecnie nie posiadasz.
• Rekwizyty, kostiumy i lokalizacje (np. wynajem sali balowej lub restauracji).
• Opłaty załogę i aktora. Możliwe jest pozyskanie ekip i aktorów za darmo, ale rzadko zdarza się, aby ludzie pomagali dłużej niż 1-2 dni bez wynagrodzenia. Możesz być w stanie zaoferować przysługi w zamian za pomoc w krótszej produkcji.
• Koszty jedzenia i transportu dla Ciebie, załogi i aktorów.
• Wiedz, że w przypadku „profesjonalnej” sesji zdjęciowej, z płatną ekipą i aktorami, należy przeznaczyć co najmniej 5000 USD dziennie.

Krok 5. Zatrudnij aktorów i członków ekipy

Masz swoje postacie, listę strzałów i niezbędny sprzęt – teraz potrzebujesz kogoś, kto to wszystko wykorzysta. Jak obsadzić aktorów to osobisty wybór – możesz przeprowadzać przesłuchania za pomocą Craigslist lub postów w gazetach, odwiedzać lokalne teatry lub angażować znajomych. Jeśli chodzi o członków załogi, jest wiele stanowisk, które musisz wypełnić:

• Dyrektor Fotografii (DP):

  Prawdopodobnie najważniejszą pracą są kamery i światła. Podczas gdy ty kierujesz aktorami i dajesz ostatnie słowo w sprawie ujęcia, oni zajmują się technicznymi aspektami filmu. Potrzebujesz kogoś, kto rozumie obiektywy, aparaty i oświetlenie, nawet jeśli jest to tylko przyjaciel, który interesuje się fotografią. Bardzo, bardzo trudno jest skutecznie oświetlić scenę, miejsce, kamery, oglądać aktorów i ustawić scenerię w tym samym czasie, więc znajdź kogoś, kto może odciążyć cię i pozwolić ci reżyserować.

• Asystent Dyrektora (AD): Planuje ujęcia, upewnia się, że lista ujęć jest zakryta, nagrywa małe sceny, jeśli reżyser jest zajęty. Może również pomóc w budżecie.

• Operatorzy kamer i mikrofonów:

  Nie wymaga wyjaśnień, ale niezbędne. Bez nich nie można zrobić filmu.

• Wizażysta:

  Chociaż każdy może to zrobić, ich głównym zadaniem jest ciągłość. Jeśli w twoim filmie nie upłynie dużo czasu, musisz mieć twarz i kostiumy aktora, aby wyglądały identycznie w każdej scenie, w przeciwnym razie widzowie zauważą zmiany. Rób zdjęcia każdego dnia kostiumu, makijażu i scen, aby upewnić się, że wygląda tak samo.

• Inżynier dźwięku:

  Słuchaj całego dźwięku podczas nagrywania, upewniając się, że jest prawidłowy. Umieszczają również mikrofony, aby odebrać dialog po ustawieniu świateł.

• Producent liniowy:

  Sprawdza lokalizacje z wyprzedzeniem, upewnia się, że pozwolenia i umowy są spisane i podpisane.

• Asystent produkcji:

  Zawsze przydatni, ci ludzie robią wszystko, co trzeba – przygotowują jedzenie i kawę, wycierają karty pamięci, a nawet trzymają aparat, gdy jest to potrzebne. Nigdy nie możesz mieć wystarczającej liczby członków załogi.

Krok 6. Podpisz umowy

Nie ma znaczenia, z kim pracujesz ani jaki jest projekt – zdobądź podpisanie umowy. Zapewnia to ochronę w razie wypadku, prawnie zobowiązuje ludzi do obejrzenia filmu do końca i zapobiega procesom sądowym w przypadku odebrania filmu. Możesz wyszukiwać w Internecie hasła „Kontrakt filmowy dla aktorów”, „Kontrakty producenckie” itp. i łatwo i swobodnie dostosowywać je do swoich potrzeb, więc nie omijaj tego kroku.

• Kontrakty to paradoksalnie świetny sposób na zachowanie przyjaźni. Zamiast spierać się o coś później, możesz po prostu wrócić do tego, co już masz na piśmie.
• Upewnij się, że masz przepis, szczególnie dla aktorów, który wymaga od nich ukończenia filmu, gdy zaczną kręcić.

Krok 7. Zrób swój harmonogram filmowania

Realistycznie rzecz biorąc, chyba że masz tylko kilka osób w swoim skrypcie i 1-2 lokalizacje, w dobry dzień zrobisz tylko 5-10 stron swojego scenariusza. W przypadku dużych lub trudnych scen możesz otrzymać tylko 2-3 strony. Im więcej czasu możesz spędzić na filmowaniu, tym lepiej, ale im więcej czasu spędzisz na filmowaniu, tym więcej pieniędzy wydasz. To, jak to zrównoważysz, zależy od kilku czynników:

• Jakie sceny rozgrywają się w tym samym miejscu? Czy można je sfilmować, nawet jeśli nie działają, tego samego dnia?
• Jakie sceny mają ogromne listy ujęć? Wykonanie tych czynności w pierwszej kolejności może zapewnić, że „duże” sceny uzyskasz tak, jak chcesz.
• Czy jakiekolwiek strzały można zmarnować, jeśli czas/pieniądze się kończą? Umieść te ostatnie.
• Ten harmonogram może i prawdopodobnie będzie musiał być płynny. Ale im więcej możesz się tego trzymać, tym lepiej.

Metoda 3 z 4: Filmowanie filmu

Krok 1. Przygotuj się na wszystko z góry

Powinnaś być pierwszą osobą na planie i ostatnią, która wychodzi każdego dnia. Nakręcenie filmu nie jest łatwe i musisz założyć, że wszystko, co może pójść nie tak, będzie. Aktorzy chorują, pogoda nie dopisuje, a co godzinę trzeba podejmować setki drobnych decyzji (oświetlenie, rozmieszczenie postaci, kostiumy). Jedynym sposobem na udaną sesję jest wykonanie jak największej ilości pracy, zanim jeszcze zaczniesz.

• Przejrzyj listę ujęć dnia. Co musisz zdobyć, a co możesz wyciąć, jeśli zabraknie ci czasu?
• Próba z aktorami. Upewnij się, że znają swoje kwestie i jak chcesz, aby grali.
• Przejrzyj oświetlenie i wybór kamery za pomocą DP.

Krok 2. Niech wszyscy wiedzą, czego się oczekuje na początku sesji

Podaj wszystkim szczegóły w przystępny sposób, od samego początku. Jest to szczególnie ważne w przypadku filmów niskobudżetowych, ponieważ zazwyczaj dostaniesz trochę aktorstwa i pracę za darmo. Poinformuj obsadę i ekipę o celach na dany dzień i o tym, jak wdzięczni są za wsparcie.

• Rozdaj z wyprzedzeniem plan dnia, aby wszyscy byli przygotowani.
• Poinformuj załogę o wszelkich efektach specjalnych lub nastrojach, do których dążysz, i o tym, jak mogą pomóc w ich stworzeniu.
• Przejrzyj swoją procedurę strzelania, aby wszyscy znali swoją rolę.

Krok 3. Skonfiguruj blokowanie scen

Blokowanie jest tam, gdzie są aktorzy i dokąd idą. To pierwszy krok do każdego filmowania i najważniejszy – wszystkie światła, kamery i dźwięk nie mogą być umieszczone, dopóki nie zostanie wykonane. Jeśli scena jest dobrze przećwiczona, powinno to być łatwe. Jeśli nie, będziesz musiał poświęcić trochę czasu na umieszczenie aktorów w odpowiednich miejscach.

• Utrzymuj to tak prosto, jak to tylko możliwe – chodzenie po prostych liniach, podstawowe wejścia i wyjścia, a przede wszystkim nieruchome pozycje. To nie jest zabawa, a kamery uchwycą tylko niewielką część całej sceny. Niech kamera wykonuje ruch, kiedy tylko jest to możliwe, a nie aktorzy.
• Na podłodze można położyć taśmę, aby po każdym ujęciu powiedzieć aktorom, gdzie mają skończyć.
• Często możesz wstępnie zaplanować, korzystając z członków załogi lub szczegółowej listy ujęć, aby zaoszczędzić czas. Jeśli masz już napisane blokowanie, Twoja sesja będzie znacznie bardziej produktywna.

Krok 4. Ustaw swoje kamery

Istnieje nieskończona liczba sposobów umieszczania, przenoszenia i używania kamer. Właśnie dlatego lista ujęć, która w zasadzie jest listą wstępnie ustalonych pozycji kamery, jest niezbędna, aby zaoszczędzić czas i pieniądze. W trosce o czas, trzy podstawowe kąty kamery w scenie dialogu to:

• Ustalanie ujęć, czyli mistrzów:

  Ustalające ujęcia zawierają całą akcję sceny – mówiące postacie, scenografię i ruchy. Są to długie, szerokie ujęcia, które, jeśli coś pójdzie nie tak, można wykorzystać do sfilmowania całej sceny, ponieważ utrwalają wszystko.

• 2-strzał (2-kamery):

  Jedna kamera nad ramieniem każdego aktora, skierowana na drugiego aktora. W ten sposób możesz patrzeć na każdą postać, gdy mówią.

• Podczas filmowania 3 lub więcej aktorów spróbuj zablokować to, aby mieć w kadrze 2 postacie naraz – w ten sposób potrzebujesz tylko jednej kamery do uchwycenia ich dialogu.
• Oglądaj ulubione filmy wnikliwym okiem. Jak na przykład film uchwyciłby randkę na obiedzie między dwiema osobami? Zauważysz te trzy kąty kamery (jeden z nich + stół, jeden faceta, jeden z dziewczyną) bardziej niż jakikolwiek inny zestaw ujęć.

Krok 5. Ustaw swoje światła

Pamiętaj, zawsze lepiej mieć więcej światła niż mniej. Łatwo jest przyciemnić obraz w postprodukcji, ale bardzo trudno jest go rozjaśnić bez utraty jakości obrazu. Używaj naturalnego światła na swoją korzyść, gdy tylko jest to możliwe, a przede wszystkim zachowaj prostotę. Twoim celem jest ładny, stopniowy zakres świateł – głębokie, ciemne cienie i bardzo mało dużych jasnych punktów.

• Ustaw aparat w czerni i bieli, aby zobaczyć tylko jasność obrazu. Jeśli nadal jest to ciekawe ujęcie w czerni i bieli, będzie wyglądać niesamowicie w kolorze.
• Półtorej godziny przed wschodem i zachodem słońca uważa się za najlepszy czas na fotografowanie w naturalnym świetle. Oświetlenie jest miękkie i równomierne, można nawet wykorzystać ten czas do podświetlenia „nocnych” ujęć, które później w postprodukcji są przyciemniane.
• Używaj „praktycznych” lub oświetlenia sceny. Masz problem z odpowiednim oświetleniem? Umieść lampę w kadrze lub włącz oświetlenie sufitowe.

Krok 6. Dowiedz się, jak rozpocząć sesję

Techniki rozpoczęcia filmu będą się różnić w zależności od planu, ale nie powinny się różnić w zależności od ujęcia. Dzięki rutynie przed rozpoczęciem filmowania wszyscy są za każdym razem na tej samej stronie. Jeśli to możliwe, jest to obowiązek AD. Przykładowa procedura obejmowałaby:

• "Wszyscy to zdjęcie, proszę o ciszę!"
• "Dźwięk rolki!" To jest wskazówka do uruchomienia mikrofonów. Kiedy skończysz, ktoś krzyczy: „Rolling!”
• "Rzuć obraz!" To jest wskazówka do uruchomienia kamer. Kiedy skończysz, ktoś zwykle krzyczy „Prędkość!”
• Przeczytaj tytuł, scenę i numer ujęcia „To jest mój film, scena 1, ujęcie 2.”. Jeśli masz klapkę, zostaje ona spoliczkowana i ktoś krzyczy „Marker!”
• 3-5 sekund ciszy.
• "AKCJA!"

Krok 7. Nakręć reportaż, gdy już masz scenę, którą chcesz

Wybierz kilka ekstremalnych kątów, ciekawe ujęcia otoczenia lub zbliżenia twarzy, rąk lub rekwizytów postaci i ponownie uruchom scenę. Te ujęcia mogą trwać tylko 1-2 sekundy w filmie, ale są niezbędne do montażu. Spójrz na dowolny film i zauważ, jak wiele małych, pozornie bezużytecznych ujęć jest używanych, aby wejść w świat sceny, pokazać emocjonalne drgawki lub po prostu przejść ze sceny na scenę. Nagraj te ujęcia, gdy aktorzy przedstawią swoje kwestie zgodnie z Twoimi upodobaniami.

Czy bohaterowie rozmawiają o torcie na stole? W takim razie potrzebujesz ujęcia samego ciasta na stole. Czy musisz pokazać, która jest godzina? Następnie potrzebujesz ujęcia zegara na ścianie

Krok 8. Codziennie przeglądaj swoje nagranie i skreśl listę ujęć

Być może będziesz musiał dokonać pewnych poświęceń w zależności od budżetu i czasu, ale nawet reżyserzy z Hollywood są do tego zmuszeni. Po każdym dniu upewnij się, że masz wszystko, czego chcesz i potrzebujesz, a następnie skreśl to z listy ujęć. Musisz wiedzieć teraz, a nie 3 miesiące później, kiedy zaczynasz edycję, czy czegoś brakuje.

Krok 9. Podnieś strzały typu B-roll

B-roll to po prostu ujęcia bez aktorów. Jest zwykle używany w przejściach, napisach otwierających lub zamykających lub tworzeniu nowej lokalizacji. Wyrusz z kamerą i DP i zdobądź tyle godzin materiału, ile możesz. Twoim głównym celem jest zastanowienie się nad materiałem, który może uzupełnić film. Na przykład B-Roll w Punch-Drunk Love to seria abstrakcyjnych, wielokolorowych ujęć, które pasują do zdezorientowanego, niespokojnego i kalekiego stanu psychicznego bohatera. Filmy szpiegowskie zazwyczaj zawierają mnóstwo wspaniałych plaż, tętniących życiem miast i dramatycznych krajobrazów. B-roll opowiada Twoją historię subtelnie i wizualnie.

• Nigdy nie możesz mieć dość B-rolla. Kiedy montujesz, jest to tkanka łączna, która łączy twoje sceny, tworząc prawdziwy film.
• Możesz i powinieneś kręcić B-roll przed i po „kończeniu się” sceny, ponieważ te 2-3 sekundy to świetny sposób na powolne wprowadzenie widzów na scenę.

Krok 10. Codziennie twórz kopie zapasowe nagrań

Pod koniec kręcenia poświęć trochę czasu na wyjęcie materiału z karty pamięci i pobranie go na bezpieczny dysk twardy. Ten mały krok na koniec dnia może zaoszczędzić wiele godzin w przypadku utraty materiału filmowego.

• Większość profesjonalistów korzysta z więcej niż jednej kopii zapasowej, kopiując cały materiał do co najmniej dwóch źródeł przed skasowaniem czegokolwiek z kart pamięci.
• Poświęć ten czas na uporządkowanie materiału filmowego. Utwórz folder na dzień, w którym kręciłeś, a następnie uporządkuj nagranie w tym folderze według sceny. To znacznie ułatwi strzelanie.

Metoda 4 z 4: Edycja filmu

Krok 1. Wybierz odpowiednie oprogramowanie do edycji dla swojego filmu. Istnieje wiele opcji do wyboru, jeśli chodzi o oprogramowanie do edycji wideo (często nazywane programami do edycji nieliniowej lub NLE), od bezpłatnych programów, takich jak iMovie i Windows Movie Maker, po złożone, profesjonalne klasy, takie jak Final Cut Pro i Adobe Premier. To, z czego zdecydujesz się skorzystać, jest w dużej mierze kwestią osobistych preferencji i rodzaju projektu, nad którym pracujesz:

• Darmowe oprogramowanie, takie jak iMovie i Windows Movie Maker, jest naprawdę przydatne tylko w przypadku małych filmów, zwykle poniżej 20 minut. Nie są zaprojektowane do obsługi wielu kątów wideo i kamer oraz mają ograniczoną liczbę przejść i opcji efektów.
• Płatne oprogramowanie jest niezbędne dla każdego początkującego filmowca. Jeśli używasz wielu kamer na scenie, potrzebujesz płynnego tekstu, przejść lub efektów albo po prostu potrzebujesz profesjonalnego programu, musisz zainwestować w dobre oprogramowanie. Obecnie trzy „standardowe” programy to Avid, Final Cut X i Adobe Premier, a każdy z nich ma wysoką cenę, często 400 USD lub więcej. Często jednak możesz subskrybować te programy za niewielką miesięczną opłatę.

Krok 2. Zaimportuj scenę do edytora wideo

W przypadku krótkiego filmu (poniżej 20-30 minut) prawdopodobnie możesz zaimportować cały materiał za jednym razem. Ale jeśli robisz film pełnometrażowy lub po prostu pracujesz z wieloma kątami kamery, będziesz chciał zmontować swój film w częściach. Importuj tylko materiał potrzebny do danej sceny, a także wszelkie istotne B-roll.

Jeśli masz wiele kamer na tej samej scenie, użyj opcji „Synchronizuj” programu, aby ustawić je wszystkie razem. Znajdź swoje programy w „trybie edycji wielu kamer”, który ułatwia przełączanie między wieloma ujęciami jednocześnie, wyszukując w Internecie hasło „[Twój program] Edycja wielu kamer”. To dopasowuje wszystkie kamery, dzięki czemu nie musisz spędzać godzin na upewnianiu się, że każde cięcie jest zgodne z ostatnim ujęciem

Krok 3. Użyj kilku pierwszych ujęć, aby ustawić nastrój i temat sceny

Pierwsze ujęcia określą ostrość sceny. Masz prawie nieskończoną liczbę wyborów, ale niektóre z najczęstszych to:

• Ustanawiający strzał:

  Jest to zdecydowanie najczęstszy sposób na rozpoczęcie sceny. To ujęcie pokazuje wszystkich głównych aktorów, scenę i lokalizację jednocześnie. To pozwala widzom poczuć scenę, a następnie śledzić ją wraz z resztą nadchodzących cięć.

• Koncentracja na postaci:

  Niezależnie od tego, czy powiedzą pierwszą linijkę, czy nie, podążając za głównym bohaterem sceny, mówi widzom, że to jest osoba, na którą muszą zwrócić uwagę – coś im się stanie lub będą mieli jakieś urzeczywistnienie.

• Ustawiać scenę:

  Użyj B-roll i ujęć pomieszczenia/środowiska, aby poczuć lokalizację. Jest to używane w wielu filmach, szczególnie w horrorach, gdzie scena może zaczynać się od 5-6 przerażających ujęć nawiedzonego domu niebezpiecznego pokoju.

Krok 4. Zbuduj dialog wokół najlepszych ujęć aktora

Ponownie obejrzyj nagranie i zobacz, które sceny najbardziej Ci się podobają - gdzie wszyscy trafiają w swoje ślady, dialogi są naturalne, a materiał filmowy jest wyraźny i ostry. Jeśli znajdziesz jedno ujęcie, w którym wszystko jest dobrze zrobione, masz szczęście i twoja praca będzie znacznie szybsza.

Krok 5. Pokaż każdą postać, gdy wygłaszają swoje kwestie

Ta zasada nie jest trudna i szybka, ale prawie zawsze powinieneś od niej zacząć. Stamtąd możesz zdecydować, czy ważniejsze jest obserwowanie postaci słuchającej, czy mówiącej. Obejrzyj Whiplash lub There Will Be Blood, aby dobrze zorientować się, na czym powinna koncentrować się scena w filmach zorientowanych na dialogi.

Najlepsza postać do pokazania w scenie to zazwyczaj kwestia wyczucia. Kto czuje, że musi być w centrum uwagi? Czy aktor daje na coś szczególnie dobry wyraz lub reakcję? Gdzie powędrowałyby twoje oczy, gdybyś siedział w pokoju z aktorami?

Krok 6. Uzupełnij wszelkie luki/błędy z B-rolla i innych dubli

Czasami nie dostajesz jednego dobrego ujęcia i musisz połączyć dużo materiału, aby scena zadziałała. Jest to niezwykle powszechne, ale nie powinno być trudne, jeśli aktorzy za każdym razem poprawnie uderzają w blokowanie. To wtedy dodajesz szczegóły i kolor do sceny. Na przykład postać może zaoferować komuś ciasto na stole, a ty możesz przyciąć ujęcie ciasta. Albo, w napiętej scenie przesłuchania, możesz pokazać przestępcom twarzach z bliska, spoconych i zmartwionych, zanim wrócisz do następnej linii dialogu.

Nie ma właściwego sposobu na edycję sceny, o ile pamiętasz, że starasz się opowiedzieć historię ponad wszystko. Niech obrazy mówią jak najwięcej

Krok 7. Dostosuj czas sceny, aby nadać jej rytm

Edycja dotyczy tempa i czasu. Film musi płynąć naturalnie. Dlatego redaktorzy myślą w kategoriach pojedynczych klatek – mikrosekund ujęć, które widzisz po zatrzymaniu ekranu – zamiast sekund. Z tego powodu wielu edytorów pracuje z muzyką, edytując klatki, aby dopasować rytm lub piosenkę i nadać rytm scenie. Nie musisz trzymać się naturalnego rytmu aktorów na ekranie, aw wielu przypadkach nie powinieneś. Dodanie lub usunięcie pauz, nawet o kilka dziesiątych sekundy, może sprawić, że dobry występ będzie świetny. Na przykład:

• Sceny komediowe, zorientowane na akcję lub pełne energii mają bardzo szybki czas. Między wierszami nie ma zbyt wielu odstępów, a słowa prawie zachodzą na siebie, aby wyjść. To sprawia, że scena wydaje się szybka i żywa.
• Napięte sceny są zwykle wolniejsze. Przeciągają się pauzy, intensywnie stosuje się B-roll, a ujęcia trzymane są przez długi czas, aby widz nie czuł się komfortowo. Dla mistrzowskiej klasy w powolnym montażu obejrzyj 12 lat niewolnika, szczególnie wiszącą scenę w środku filmu.
• Rozpoznanie obrazu zajmuje ludzkiemu mózgowi 3-5 klatek. Oznacza to, że jeśli próbujesz działać zbyt szybko, możesz po prostu zmylić publiczność.

Krok 8. Naucz się różnych rodzajów cięć do profesjonalnej edycji

Montaż to sztuka opowiadania historii poprzez cięcia. Innymi słowy, film to po prostu seria filmów ułożonych tyłem do siebie, a sposób, w jaki przechodzisz od jednego do drugiego, jest tym, jak widzowie postrzegają historię. Dlatego to, w jaki sposób zamówisz wycinanie z jednego filmu do drugiego, jest wszystkim „ważne” podczas montażu filmu. Najlepsze kawałki są płynne, opowiadają historię, a publiczność nie zdaje sobie sprawy, że przeskoczyliśmy z jednej sceny do drugiej.

• Twarde cięcie-- natychmiastowe cięcie pod innym kątem, zwykle w tej samej scenie. To najczęstsze cięcie w filmie.
• Cięcie rozbijające- Nagłe przejście do zupełnie innej sceny. Zwraca to uwagę na cięcie, często sygnalizując niespodziankę lub dużą zmianę w fabule.
• Skok cięcia-- Nagłe cięcie wykonane w tej samej scenie, często pod nieco innym kątem. Są rzadkie i zwykle pokazują zamieszanie lub upływ czasu.
• J-Cięcie-- Gdy usłyszysz dźwięk z następnego ujęcia, zanim zobaczysz wideo. To świetny sposób na powiązanie tematycznie dwóch scen lub zapewnienie narracji.
• L-Cięcie-- Gdy zobaczysz wideo z następnego ujęcia, zanim usłyszysz dźwięk. To świetny sposób na pokazanie postaci, która mówi o czymś, na przykład o obietnicy, a następnie to robi (lub ją łamie).
• Akcja Wytnij-- Cięcie w środku akcji, jak ktoś otwierający drzwi, które "ukrywa" cięcie w akcji. Na przykład, jedna postać może wejść do pocałunku, a gdy jej głowa przecina ekran, przycinasz głowę, która wchodzi na ekran pod innym kątem, zwykle jest to osoba, która ma zostać pocałowana.

Krok 9. Połącz swoje sceny za pomocą B-roll i przejść

Po utworzeniu scen nadszedł czas, aby zacząć je łączyć. Jeśli edytujesz wszystkie swoje sceny jako osobne pliki, zaimportuj je do nowego projektu „Master Film” i uporządkuj je. Następnie użyj swojego B-rolla, ujęć pokrycia i przejść, aby płynnie łączyły się ze sobą. Podczas gdy początkowo patrzyłeś na synchronizację scen, teraz patrzysz na synchronizację filmu -- czy możesz przyciąć scenę tu i tam, aby przyspieszyć ruch? Czy potrzebujesz trochę więcej B-roll między scenami, aby dać widzom czas na reakcję na dramatyczny moment? Znowu – czas jest wszystkim.

• To dobry moment, aby poprosić znajomego o obejrzenie filmu z tobą. Czy rozumieją wszystko, co się dzieje? Czy są jakieś punkty fabuły, które gubią się w tasowaniu i potrzebują więcej czasu? Wszelkie, które są nadmiernie wyjaśnione i można je odciąć?
• Ogólnie rzecz biorąc, im więcej tniesz, tym lepszy film. Jeśli scena nie działa i nie wnosi nic użytecznego do fabuły, pozbądź się jej.

Krok 10. Popraw kolorystykę i dźwięk swojego filmu, aby uczynić go profesjonalnym

Gdy film jest już tak dobry, jak to tylko możliwe, nadszedł czas na długi proces porządkowania. Ostatnim i najważniejszym etapem profesjonalnego filmu jest korekcja kolorów i miksowanie dźwięku. Chociaż na ten temat napisano całe książki, najlepszą radą jest, aby wszystko wyglądało spójnie – sceny mają podobne oświetlenie i kolory, a nie ma miejsc, w których dźwięk jest rażąco głośny lub trudny do usłyszenia.

Istnieje wiele studiów, w których za niewielką opłatą można opłacić profesjonalną korekcję kolorów i miksowanie dźwięku. Jeśli nie masz pewności, jak to zrobić i chcesz uzyskać profesjonalny film, powinieneś bezwzględnie zapłacić za profesjonalną korekcję kolorów i miksowanie dźwięku

Krok 11. Edytuj, aby opowiedzieć historię, a nie być krzykliwym

Istnieje wiele krzykliwych, znanych i stylizowanych filmów, które wydają się świetnym pomysłem do skopiowania. Szczególnie Quentin Tarantino i Guy Ritchie widzieli swoje animowane, kinetyczne style w filmach takich jak Pulp Fiction i Lock, Stock, & Two Smoking Barrels, zawłaszczanych przez młodych filmowców na całym świecie. Ci ludzie nie zdają sobie sprawy, że ci reżyserzy wybrali ten styl, ponieważ pasował do filmu. Edycja wygląda na bezwysiłkową, ponieważ po prostu pozwala historiom (kinetycznym, zorientowanym na działanie) zająć centralne miejsce. Twoim zadaniem numer jeden podczas montażu jest umożliwienie, aby historia opowiedziała się w sposób naturalny. Ty kierujesz widzem, ale w żadnym momencie widz nie powinien komentować edycji. Najlepszy montaż jest niewidoczny.

Porady

• Spróbuj napisać muzykę do swojego filmu. To po prostu nadaje mu wyjątkowy charakter.
• Niech twoi aktorzy przejrzą scenariusz i poproś ich, aby zapisali rzeczy, które chcieliby w filmie. Staraj się mieć je w logicznej kolejności i upewnij się, że nie są zbyt szokujące dla Twojego filmu.
• W wielu miastach znajdują się hale, które można wynająć, jeśli potrzebujesz bardziej przestronnego zestawu.
• Staraj się dobrze bawić na planie, ponieważ dzięki temu aktorstwo będzie łatwiejsze niż bycie poważnym przez cały czas. Możesz nawet zorganizować specjalne spotkanie dla Ciebie i aktorów, aby omówić film, postacie, dekoracje i stroje, które będziesz nosić, i po prostu przekazać ich przemyślenia, jak uczynić film bardziej interesującym.
• Zanikanie i rozpuszczanie zwykle wygląda bardziej profesjonalnie niż inne przejścia, takie jak przetarcia lub przewrócenia.
• Spróbuj dodać dźwięki do dubbingu, nada to filmowi szczególnego charakteru.

Ostrzeżenia

• Ale uważaj na to, ponieważ słońce świecące na twoich plecach może rzucać cień na twoje zdjęcie.
• Jeśli filmujesz na zewnątrz, słońce może uderzyć w kamerę pod złym kątem. Spróbuj tego uniknąć, robiąc zdjęcia w pochmurny dzień lub poruszaj się, dopóki słońce nie będzie skierowane na plecy operatora.