Choć ich historia sięga połowy XVII wieku, kiedy to klawesyn zelektryfikowany i krosno muzyczne clavecin électrique, to pierwszymi elektronicznymi instrumentami muzycznymi użytymi w kompozycjach były stworzone przez Leona Theremina Etherophone i Rhythmicon. Wraz z rozwojem technologii syntezatory, które kiedyś były ograniczone do studiów muzycznych, są teraz dostępne do tworzenia muzyki elektronicznej we własnym domu lub jako część zespołu. W podobny sposób uproszczony został proces aranżowania i nagrywania kompozycji muzyki elektronicznej, który można wykonać na bieżąco, jak również w dedykowanym studiu muzycznym.
Kroki
Część 1 z 4: Elementy elektronicznych instrumentów muzycznych
Krok 1. Twórz muzykę elektroniczną za pomocą syntezatora
Podczas gdy „syntezator” jest używany jako synonim „elektronicznego instrumentu muzycznego”, syntezator jest częścią instrumentu elektronicznego, która wytwarza rzeczywistą muzykę: uderzenia, rytmy i tony.
- Wczesne syntezatory, takie jak Moog Minimoog, były w stanie wytworzyć tylko jeden ton na raz (monofoniczny). Te syntezatory nie były w stanie wytworzyć drugorzędnych tonów, jakie mogłyby być inne instrumenty muzyczne, chociaż niektóre syntezatory mogą wytwarzać dwa tony na raz, jeśli naciśnięto dwa klawisze. Od połowy lat 70. dostępne są syntezatory, które mogą wytwarzać wiele tonów naraz (polifoniczne), umożliwiając tworzenie akordów oraz pojedynczych nut.
- Większość wczesnych syntezatorów była oddzielona od środków używanych do kontrolowania wytwarzanych przez nie dźwięków. Wiele elektronicznych instrumentów muzycznych, szczególnie tych do codziennego użytku domowego, jest teraz wyposażonych w syntezator fizycznie zintegrowany z jednostką sterującą.
Krok 2. Manipuluj syntezatorem za pomocą kontrolera instrumentu
Najwcześniejsze syntezatory były kontrolowane przez przerzucanie przełączników, obracanie pokręteł lub, w przypadku Theremina (którego nazwa została zmieniona na Etherophone), przez miejsce, w którym ręce operatora były umieszczone nad instrumentem. Nowoczesne kontrolery są dostępne w bardziej przyjaznych dla muzyków odmianach i sterują syntezatorem za pośrednictwem standardu Musical Instrumental Digital Interface (MIDI). Niektóre kontrolery zostały opisane poniżej:
- Klawiatura. Jest to najpopularniejszy sterownik syntezatora. Klawiatury mają różne rozmiary, od pełnej 88-klawiszowej (7-oktawowej) klawiatury, którą można znaleźć w pianinach cyfrowych, do zaledwie 25 klawiszy (2 oktawy) na klawiaturze wielkości zabawki. Klawiatury do użytku domowego mają zazwyczaj 49, 61 lub 76 klawiszy (4, 5 lub 6 oktaw). Niektóre klawiatury są wyposażone w ważone klawisze, które symulują reakcję fortepianu, podczas gdy inne mają sprężynowe klawisze, a jeszcze inne łączą sprężyny o mniejszej wadze niż klawisze w pełni ważone. są uderzane) określa, jak głośny jest generowany dźwięk.
- Ustnik/kontroler wiatru. Ten kontroler znajduje się w syntezatorze dętym, elektronicznym instrumencie zaprojektowanym podobnie do saksofonu sopranowego, klarnetu, fletu prostego lub trąbki. Dmuchasz w niego, aby regulować dźwięk, który można modyfikować za pomocą kciuka lub szczęki w określony sposób.
- Gitara MIDI. Jest to oprogramowanie, które pozwala używać gitary akustycznej lub elektrycznej z przetwornikiem do sterowania syntezatorem. Gitary MIDI działają poprzez próbę konwersji wibracji strun na dane cyfrowe. Często występuje opóźnienie między wejściem a wyjściem ze względu na ilość próbkowania niezbędną do stworzenia zdigitalizowanego dźwięku.
- SynthAxe: Już nie produkowany, SynthAxe działał poprzez podzielenie podstrunnicy na 6 ukośnych stref i wykorzystywał struny jako czujniki. To, jak bardzo zginano struny, decydował o generowanym tonie.
- Keytar: Ten kontroler ma kształt korpusu i gryfu gitary, ale ma 3-oktawową klawiaturę na korpusie gitary i inne elementy sterujące dźwiękiem na gryfie. Zainspirowany XVIII-wiecznym instrumentem zwanym orphica, oferuje graczom kontrolę nad klawiaturą i mobilność gitary.
- Elektroniczne pady perkusyjne: Wprowadzone w 1971 roku elektroniczne pady perkusyjne są zwykle dostępne w zestawach podobnych do bębnów akustycznych, w tym talerze. Wczesne wersje odtwarzały wcześniej nagrane próbki, podczas gdy późniejsze wersje tworzą dźwięki matematycznie. W połączeniu ze słuchawkami można grać na elektronicznym zestawie perkusyjnym, dzięki czemu tylko gracz słyszy dźwięk, który on wydaje.
- Bęben radiowy. Pierwotnie przeznaczony do użytku jako trójwymiarowa „mysz”, bęben radiowy wyczuwa położenie swoich dwóch pałeczek w trzech wymiarach, zmieniając wytwarzany dźwięk w zależności od tego, gdzie na powierzchni „bębna” dotyka.
- BodySynth. Był to kontroler do noszenia, który wykorzystywał napięcie mięśni i ruchy ciała do kontrolowania dźwięku i oświetlenia. Był przeznaczony do użytku przez tancerzy i performerów, ale w wielu przypadkach był zbyt trudny do opanowania. Prostsze formy BodySynth wykorzystują rękawiczki lub buty jako jednostki sterujące.
Wynik
0 / 0
Część 1 Quiz
Jak sterować syntezatorem?
Z ustnikiem.
Prawie! Syntezatory dęte, które mogą wyglądać jak saksofony, dyktafony, klarnety lub trąbki, sterowane są ustnikami, w które można dmuchać, ale są też inne sposoby sterowania syntezatorami! Spróbuj ponownie…
Z elektronicznym padem perkusyjnym.
Blisko! Możesz sterować syntezatorem za pomocą elektronicznych padów perkusyjnych, a nawet używać słuchawek, dzięki czemu jesteś jedynym, który cokolwiek słyszy, ale to nie jedyny sposób na sterowanie syntezatorem. Spróbuj ponownie…
Z gitarą MIDI.
Spróbuj ponownie! Gitara MIDI przekształca silne wibracje w dane cyfrowe i jest to jeden ze sposobów sterowania syntezatorem, ale nie jest to jedyny sposób! Zgadnij jeszcze raz!
Z klawiaturą.
Niekoniecznie. Chociaż klawiatura jest najpopularniejszym kontrolerem syntezatorów, istnieją inne, bardziej specyficzne sposoby sterowania różnymi typami syntezatorów. Zgadnij jeszcze raz!
Wszystkie powyższe.
Prawidłowy! W zależności od tego, jakiego rodzaju syntezatora używasz, możesz użyć dowolnej z tych metod, aby nim sterować i wydawać dźwięki! Poszukaj metod, które zapewnią Ci jak największą różnorodność, abyś mógł skupić się na wytwarzaniu konkretnych dźwięków, których potrzebujesz. Czytaj dalej, aby uzyskać kolejne pytanie dotyczące quizu.
Chcesz więcej quizów?
Testuj sam!
Część 2 z 4: Sprzęt do produkcji muzyki elektronicznej
Krok 1. Wybierz system komputerowy o wystarczającej mocy i upewnij się, że znasz system
Chociaż samodzielne elektroniczne instrumenty muzyczne wystarczą do odtwarzania muzyki elektronicznej, do tworzenia muzyki elektronicznej potrzebny będzie system komputerowy.
- Do tworzenia muzyki dobrze sprawdza się komputer stacjonarny lub laptop. Jeśli planujesz produkować muzykę w stałej lokalizacji, prawdopodobnie będziesz potrzebować komputera stacjonarnego. Jeśli chcesz produkować muzykę w różnych lokalizacjach, na przykład w miejscach, w których twój zespół przeprowadza próby, prawdopodobnie będziesz potrzebować laptopa.
- Użyj systemu operacyjnego, który najbardziej Ci odpowiada. Należy jednak korzystać z najnowszej wersji systemu Windows lub MacOS, do której można uzyskać dostęp.
- Twój system powinien mieć wystarczająco mocny procesor i wystarczającą ilość pamięci, aby z łatwością obsłużyć tworzenie za jego pomocą muzyki. Jeśli nie wiesz, czego szukać, niestandardowy system zaprojektowany do użytku w grach audio lub wideo powinien dać ci wyobrażenie, jakich specyfikacji szukać.
Krok 2. Sparuj komputer z dobrym sprzętem dźwiękowym
Możesz tworzyć doskonale dobrą muzykę elektroniczną dzięki układowi dźwiękowemu dostarczonemu z komputerem i niedrogimi głośnikami. Jeśli jednak możesz sobie na to pozwolić, powinieneś rozważyć jedną lub więcej z następujących aktualizacji:
- Karta dźwiękowa. Korzystanie z karty dźwiękowej przeznaczonej do tworzenia muzyki elektronicznej jest zalecane, jeśli planujesz dużo nagrań zewnętrznych.
- Monitory studyjne. To nie są monitory komputerowe, a kolumny przeznaczone do nagrań studyjnych. („Monitor” w tym sensie oznacza, że głośnik dokładnie odtwarza dźwięk źródłowy bez zniekształceń lub z minimalnymi zniekształceniami.) Monitory studyjne o niższej jakości obejmują monitory wyprodukowane przez M-Audio i KRK Systems, podczas gdy monitory z wyższej półki obejmują monitory firmy Focal, Genelec i Mackie.
- Słuchawki klasy studyjnej. Słuchanie przez słuchawki zamiast głośników pozwala lepiej skoncentrować się na poszczególnych częściach utworu, pomagając śledzić rytmy i poziomy dźwięku. Producenci słuchawek studyjnych to Beyerdynamic i Sennheiser.
Krok 3. Zainstaluj dobre oprogramowanie do tworzenia muzyki
Do tworzenia muzyki elektronicznej potrzebne będą następujące programy:
- Cyfrowa stacja robocza audio (DAW). DAW to rzeczywiste oprogramowanie do tworzenia muzyki, które umożliwia współpracę wszystkich innych komponentów oprogramowania w celu tworzenia muzyki. Ich interfejs zazwyczaj symuluje sterowanie mikserem, ścieżką i transportem analogowych studiów muzycznych, a także wyświetlanie fali nagranego dźwięku. Różne DAW to Ableton Live, Cakewalk Sonar, Cubase, FL Studio, Logic Pro (działa tylko w MacOS), Pro Tools, Reaper i Reason. Istnieją również darmowe programy DAW, takie jak Ardor i Zynewave Podium.
- Program do edycji audio. Program do edycji audio zapewnia większe możliwości edycji muzycznej niż te, które można znaleźć w oprogramowaniu DAW, w tym możliwość edycji próbek i konwertowania kompozycji do formatu MP3. Sound Forge Audio Studio jest przykładem niedrogiego edytora audio, podczas gdy Audacity jest jedną z wielu dostępnych darmowych wersji.
- Syntezatory/instrumenty technologii Virtual Studio (VST). Są to wersje oprogramowania komponentów syntezatora elektronicznych instrumentów muzycznych opisanych w poprzedniej sekcji. Instalujesz je jako wtyczki do swojego DAW. Wiele z tych wtyczek można znaleźć w Internecie za darmo, wyszukując „free soft synths” (darmowe syntezatory oprogramowania) lub „free vsti”, lub możesz kupić syntezatory VST od dostawców takich jak Artvera, HG Fortune, IK Multimedia, Native Instrumenty, czyli reFX.
- Efekty VST. Te wtyczki zapewniają efekty muzyczne, takie jak pogłos, dźwięk chóralny, opóźnienie i inne. Są one dostępne u wielu tych samych dostawców, co wtyczki syntezatora VST, w wersjach płatnych lub darmowych.
- Próbki. Próbki to fragmenty muzycznych dźwięków, uderzeń i rytmów, których możesz użyć do wzbogacenia swoich kompozycji. Zazwyczaj są one zorganizowane w paczki specyficzne dla danego gatunku muzycznego (takiego jak blues, jazz, country, rap czy rock) i zawierają zarówno pojedyncze dźwięki, jak i pętle dźwiękowe. Komercyjne pakiety próbek zwykle oferują próbki bez opłat licencyjnych; Kupując pakiet próbek, kupujesz licencję na ich wykorzystanie we własnych kompozycjach. Niektóre firmy zajmujące się oprogramowaniem audio oferują dostęp do bezpłatnych próbek online i istnieją zewnętrzne źródła zarówno bezpłatnych próbek, jak i próbek, za które trzeba zapłacić.
Krok 4. Rozważ kontroler MIDI
Chociaż możesz komponować muzykę na komputerze za pomocą klawiatury jako „wirtualnej klawiatury fortepianowej” i myszy, prawdopodobnie bardziej naturalne będzie podłączenie kontrolera MIDI do systemu. Podobnie jak w przypadku samodzielnych elektronicznych instrumentów muzycznych, klawiatura jest najczęściej używanym kontrolerem MIDI, ale możesz użyć dowolnego innego typu kontrolerów opisanych w sekcji „Electronic Musical Instrument Components”, które obsługuje oprogramowanie. Wynik
0 / 0
Część 2 Quiz
Co oznacza DAW?
Witryna z ogłoszeniami dynamicznymi.
Nie do końca! DAW to coś, co pomaga tworzyć muzykę elektroniczną i niekoniecznie musisz być w Internecie, aby z niego korzystać. Istnieje lepsza opcja!
Cyfrowa stacja robocza audio.
Prawidłowy! DAW, czyli Digital Audio Workstation, to oprogramowanie do tworzenia muzyki. Możesz znaleźć darmowy DAW, taki jak Ardour, Zynewave Podium lub GarageBand (Mac) lub zapłacić za DAW, taki jak Ableton Live, Cubase lub Logic Pro (Mac). Czytaj dalej, aby uzyskać kolejne pytanie dotyczące quizu.
Zaawansowana łączność bezprzewodowa na pulpicie.
Nie! DAW to oprogramowanie, które dodajesz do swojego komputera, aby umożliwić Ci tworzenie muzyki elektronicznej. Istnieje lepsza opcja!
Opracowana gwarancja na dźwięk.
Spróbuj ponownie! DAW to program, który pomoże Ci tworzyć muzykę elektroniczną, a nie gwarancja na Twój sprzęt! Spróbuj ponownie…
Chcesz więcej quizów?
Testuj sam!
Część 3 z 4: Przed zrobieniem własnej muzyki elektronicznej
Krok 1. Naucz się teorii muzyki
Chociaż możesz grać na elektronicznym instrumencie muzycznym lub komponować muzykę na komputerze bez umiejętności czytania nut, pewna wiedza na temat struktury muzycznej pomoże ci zrozumieć, jak tworzyć lepsze aranżacje i wykrywać błędy w kompozycji, nad którą pracujesz.
Niektóre z teorii muzyki, które mogą ci pomóc, zostały omówione w artykule wikiHow „Jak tworzyć muzykę”
Krok 2. Poznaj możliwości swojego instrumentu lub oprogramowania
Nawet jeśli wypróbowałeś go przed zakupem, poświęć trochę czasu na eksperymentowanie ze swoim sprzętem, zanim podejmiesz poważny projekt. Będziesz miał lepsze wyobrażenie o tym, co może zrobić i być może wymyślisz kilka pomysłów na projekty, które z tym można zrobić.
Krok 3. Zapoznaj się z gatunkami muzycznymi, w których chcesz komponować
Każdy gatunek muzyczny ma pewne elementy, z którymi jest związany. Najłatwiejszym sposobem nauczenia się tych elementów jest słuchanie kilku piosenek z każdego interesującego Cię gatunku, aby zobaczyć, jak wykorzystują te elementy:
- Rytmy i rytmy. Rap i hip-hop słyną z ciężkich, napędzających bitów i rytmów, podczas gdy big band jazz słynie z sprężystych, synkopowanych rytmów, a muzyka country często zawiera shuffle beat.
- Oprzyrządowanie. Jazz słynie z użycia instrumentów dętych blaszanych (trąbka, puzon) i dętych drewnianych (klarnet, saksofon), podczas gdy heavy metal jest znany z głośnych gitar elektrycznych, muzyki hawajskiej dla gitar stalowych, muzyki ludowej dla gitar akustycznych, mariachi dla trąbek i gitar. oraz polka na tubę i akordeon. Jednak wiele piosenek i artystów z jednego gatunku z powodzeniem włączyło dźwięki instrumentów z innego gatunku, na przykład zaadoptowanie przez Boba Dylana gitary elektrycznej do muzyki ludowej na Newport Folk Festival w 1965 roku, użycie trąbek mariachi do otwarcia „Ring of Fire,” Johnny'ego Casha,” lub gra na flecie Iana Andersona jako głównego muzyka grupy rockowej Jethro Tull.
- Struktura utworu: Wiele utworów z wokalem granych w radiu zaczyna się od wstępu, po którym następuje zwrotka, potem refren, kolejna zwrotka, powtórzenie refrenu, przejście (często skrócona zwrotka), refren i zakończenie (nazywane „outro”). W przeciwieństwie do tego, większość instrumentalnej muzyki „transowej” granej w klubach tanecznych zaczyna się od wstępu, po którym następuje melodia, która rozwija się do punktu, w którym wszystkie elementy piosenki są odtwarzane razem, kończąc na gasnącym outro.
Wynik
0 / 0
Część 3 Quiz
Prawda czy fałsz: po zakupie instrumentu możesz już iść!
Prawdziwe
Nie do końca. Jeśli kupujesz instrument, nad którym pracowałeś wcześniej, prawdopodobnie znasz go, ale jeśli tworzysz muzykę elektroniczną po raz pierwszy lub próbujesz nowego instrumentu, powinieneś zapoznać się z tym instrumentem pierwszy. Wiedza o tym, co potrafi Twój instrument, pomoże Ci również wymyślić fajne projekty i dźwięki, które możesz na nim zrobić! Wybierz inną odpowiedź!
Fałszywe
Prawidłowy! Powinieneś poświęcić trochę czasu na poznanie tajników swojego elektronicznego sprzętu muzycznego i ćwiczenie na nim, zanim zaczniesz tworzyć muzykę. Im więcej wiesz o swoim instrumencie, tym większą różnorodność możesz zawrzeć w swojej muzyce! Czytaj dalej, aby uzyskać kolejne pytanie dotyczące quizu.
Chcesz więcej quizów?
Testuj sam!
Część 4 z 4: Tworzenie własnej muzyki elektronicznej
Krok 1. Najpierw połóż bity
Bity i rytmy są podstawą, na której opiera się reszta Twojej piosenki. Tutaj używasz dźwięków perkusyjnych z paczek sampli.
Krok 2. Dodaj rytm basowy
Następną rzeczą do dodania jest rytm basowy, czy to z gitary basowej, czy z innego niskotonowego brzmienia instrumentalnego. Upewnij się, że rytm basu i rytm perkusji współgrają ze sobą, zanim wprowadzisz inne dźwięki instrumentalne.
Krok 3. W razie potrzeby dodaj dodatkowe rytmy
Nie wszystkie piosenki mają jeden rytm. Niektórzy używają wielu rytmów, a dodatkowe rytmy pojawiają się w utworze w miejscach zaprojektowanych tak, aby przyciągnąć uwagę słuchacza lub w kluczowych momentach historii utworu. Upewnij się, że dodatkowe rytmy współpracują z głównym rytmem, aby uzyskać pożądany efekt.
Krok 4. Nakładaj melodię i harmonię
Tutaj do gry wchodzą Twoje instrumenty VST. Możesz użyć ich gotowych dźwięków lub poeksperymentować z ich kontrolkami, aby znaleźć żądany dźwięk.
Krok 5. Wymieszaj dźwięki do żądanych poziomów
Chcesz, aby dźwięki wytwarzane przez instrumenty, które grają rytm, rytm i melodię, współpracowały ze sobą. Aby to osiągnąć, wybierz jeden komponent, który będzie służył jako dźwięk odniesienia, dostosowując do niego inne komponenty; w większości przypadków będzie to dźwięk rytmiczny.
- W niektórych przypadkach będziesz szukał „grubszego” (bogatszego) dźwięku zamiast głośniejszego dźwięku. Aby to zrobić, możesz użyć wielu instrumentów na danej partii lub użyć tego samego instrumentu wiele razy. Ten ostatni jest często wykonywany z nagraniami wokalnymi, albo śpiewaków w tle, albo czasami wokalisty. W ten sposób piosenkarka Enya osiąga swoje brzmienie na swoich płytach.
- Możesz chcieć wprowadzić pewną różnorodność, używając różnych instrumentów w różnych refrenach utworu, szczególnie jeśli próbujesz wywołać różne reakcje emocjonalne słuchaczy w różnych miejscach. Możesz także zmieniać rejestr, czyli wysokość, w której utwór jest odtwarzany, aby utwór był żywy.
- Nie musisz wypełniać każdej sekundy swojej kompozycji każdą sztuczką, jaką masz do dyspozycji. Czasami, na przykład w zwrotkach, możesz pominąć harmonię akordową i pozwolić, by beat, melodia i wokal niosły twoją piosenkę. W innych sytuacjach, na przykład na początku i na końcu, możesz chcieć używać tylko wokali.
Krok 6. Dowiedz się, czego oczekują Twoi odbiorcy
Jeśli tworzysz muzykę elektroniczną dla kogoś innego niż ty sam, musisz wziąć pod uwagę oczekiwania swojej publiczności, na przykład tworząc intro, które ich pochwyci i sprawi, że posłuchają reszty utworu. Nie musisz jednak zaspokajać każdej ich kaprysu; jeśli zrobienie dużej produkcji refrenu nie wydaje ci się właściwe, nie rób tego. Wynik
0 / 0
Część 4 Quiz
Kiedy powinieneś wprowadzić różnorodność do swojej muzyki elektronicznej?
Na początku.
Nie do końca. Chociaż początek może różnić się od reszty utworu, publiczność nie wysłuchała wystarczająco dużo utworu, aby zrozumieć, że próbujesz stworzyć wariację. Kliknij inną odpowiedź, aby znaleźć właściwą…
Podczas różnych refrenów.
Prawidłowy! Wprowadzenie różnorodności podczas różnych refrenów może pomóc w wywołaniu emocjonalnej reakcji słuchaczy. Możesz zmieniać teksty samych refrenów lub zmieniać melodię, rytm lub rytm. Czytaj dalej, aby uzyskać kolejne pytanie dotyczące quizu.
Na końcu.
Nie dokładnie. Zróżnicowanie piosenki na końcu może zniechęcić czytelnika i sprawić, że piosenka będzie niedokończona, niekompletna lub po prostu coś testujesz. Spróbuj ponownie…
Chcesz więcej quizów?
Testuj sam!
Porady
- Wybierając odpowiednią cyfrową stację roboczą audio lub inne oprogramowanie do tworzenia muzyki, spójrz na wersje demonstracyjne każdej rozważanej aplikacji, aby zdecydować, która z nich najlepiej Ci odpowiada.
- Po utworzeniu utworu spróbuj odtworzyć go za pomocą różnych systemów dźwiękowych, takich jak domowe zestawy stereo, samochodowe zestawy stereo, odtwarzacze MP3, smartfony i tablety, korzystając z różnych głośników i słuchawek/wkładek do uszu. Chcesz znaleźć dźwięk, który będzie brzmieć dość dobrze w jak największej liczbie formatów.
