Śpiewanie podczas gry jest jedną z najtrudniejszych rzeczy, jakie może wykonać wykonawca, ponieważ obie wymagają pełnej uwagi i praktyki. Niezależnie od tego, czy jesteś na scenie w musicalu, czy prowadzisz zespół przez swój set, to, jak zachowujesz się i zachowujesz podczas śpiewania, jest głównie czynnikiem praktyki, planowania i dobrze przećwiczonej piosenki.
Kroki
Metoda 1 z 3: Granie w musicalu
Krok 1. Najpierw opanuj utwór samodzielnie
Próba zrobienia dwóch rzeczy naraz zwykle powoduje, że obie rzeczy są zrobione źle. Zanim wrzucisz aktorstwo do miksu, upewnij się, że potrafisz sam doskonale zaśpiewać piosenkę. Mając zimne słowa i melodię, znacznie, znacznie łatwiej będzie opanować grę aktorską.
Krok 2. Zastanów się, jak byś odegrał słowa, gdybyś nie śpiewał
Twoim pierwszym i najważniejszym celem jest przekazanie emocji w piosence bezpośrednio publiczności. Jako ćwiczenie spróbuj przeczytać piosenkę jak scenariusz, odtwarzając tekst normalnym głosem. Gdyby piosenka była monologiem, gdzie są emocje?
„Iluzja” musicali polega na tym, że piosenki pochodzą spontanicznie od bohaterów, jak normalna rozmowa. Zachowanie tej bezpośredniości to duża część twojego działania
Krok 3. Użyj samej piosenki i tekstu na swoją korzyść
Podczas śpiewania i grania najważniejszym narzędziem jest używanie głosu do przekazywania emocji. W jakich momentach możesz śpiewać nuty inaczej, aby nadać im trochę emocjonalnego posmaku? Może twój głos załamuje się lub słabnie podczas smutnego tekstu albo powoli zwiększasz głośność, gdy piosenka się wścieka. Miejsca, na które należy zwrócić uwagę, to:
- Nuty klimatyczne lub dramatyczne. Są to prawie zawsze dopasowane do wielkich momentów aktorskich.
- Ciche, introspekcyjne fragmenty. Gdzie śpiew jest bardziej stonowany?
- Realizacje i zwroty akcji. Musisz upewnić się, że te teksty są śpiewane wyraźnie i z mocą, aby utrzymać w ruchu historię musicalu.
Krok 4. Użyj mowy ciała, aby dopasować nastrój piosenki i swoją postać
To najłatwiejszy i najskuteczniejszy sposób „działania” podczas śpiewania. Określ ogólny nastrój, który chcesz przedstawić i użyj postawy, stylu chodzenia i tempa, aby go pokazać. Przede wszystkim powinieneś zachować dobrą postawę śpiewania, ale nadal masz trochę miejsca do grania. Niektóre pomysły obejmują:
- Smutne postacie poruszają się powoli, zwykle bardzo przemyślanymi ruchami. Chociaż nie chcesz się garbić podczas śpiewania, patrzenie lekko w dół może dać ten sam efekt.
- Wesołe lub kochające postacie posługują się dużymi, ekspresyjnymi i otwartymi gestami, jakby próbując przekazać swoje wspaniałe emocje całemu światu.
- Wściekłe postacie dodają ciężaru swoim ruchom, latają po scenie, tupią i poruszają się krótkimi, szybkimi ruchami.
- Zamyślone lub zamyślone postacie mają tendencję do powtarzania ruchów, takich jak chodzenie, często z szybkimi seriami natchnionych ruchów („Eureka!”), gdy żarówka nad ich głową rozjaśnia się.
Krok 5. Użyj „fabuły” piosenki, aby dowiedzieć się, jak działasz
Twój łuk to po prostu sposób, w jaki zmienia się twoja postać. Na przykład częstym numerem muzycznym jest pojawienie się nowej osoby w mieście, społeczności itp. Na początku piosenki zazwyczaj są zdenerwowani i nieśmiały, ale w miarę trwania piosenki nabierają pewności siebie, wychodząc z muszli na triumfalne zakończenie. Jako piosenkarz-aktor zauważysz, że to przejście pomoże ci przejść przez to.
Zawsze zadawaj sobie pytanie – jaki jest nastrój mojej postaci tuż przed piosenką, a jaki zaraz po? Jak mogę realistycznie połączyć te dwa uczucia?
Krok 6. Skoncentruj się na kluczowych momentach utworu i przejściach jako aktor
W dobrym musicalu piosenki są motorem rozwoju i zmiany postaci. Twoim zadaniem jest dowiedzieć się, podczas których linijek i wersetów się dzieje, i pokazać to publiczności. Jeśli więc w połowie utworu jest moment, w którym do bohatera dołącza ko-leaderka, na twojej twarzy powinna pojawić się szczęśliwa niespodzianka zakochania. Jeśli jesteś złoczyńcą i nagle opracowujesz plan, wskocz w maniakalną radość, gdy plan przelatuje ci przez głowę.
Krok 7. Podejmij decyzje aktorskie z wyprzedzeniem, zamiast polegać na improwizacji
Jeśli masz dobrego reżysera lub choreografa, prawdopodobnie tak się stanie. Ale nawet mniejsze lub „bezużyteczne” ruchy można zaplanować z wyprzedzeniem, aby ułatwić je w locie, a trzymanie się artystycznej decyzji jest kluczowe, aby to zrobić.
Korzystaj z wczesnych prób, aby wypróbować nowe rzeczy i wyczuć postać. Jednak w miarę zbliżania się pokazu powinieneś wybrać styl i ćwiczyć go codziennie, ćwicząc go tak, aby był automatyczny na scenie
Krok 8. Reaguj na słowa innych aktorów tak, jakby zostały wypowiedziane
Granie w musicalu to nie tylko momenty, w których śpiewasz. Chodzi o zamieszkiwanie świata sztuki. Upewnij się, że nadal słuchasz kwestii innych osób, gdy śpiewają, reagując odpowiednio, nawet gdy nie jesteś przy mikrofonie.
- Słuchaj słów, gdy są śpiewane, zamiast tylko czekać na twoją wskazówkę.
- Podobnie jak podczas śpiewania, zadaj sobie pytanie, jak byś odpowiedział, gdyby ktoś normalnie wypowiedział słowa w rozmowie.
Krok 9. Zwróć się do publiczności, chyba że reżyser zaznaczy inaczej
Całe aktorstwo na świecie nie będzie miało znaczenia, jeśli publiczność tego nie zobaczy. Pamiętaj, aby podczas grania i śpiewania stać twarzą do publiczności, wpuszczając ją do świata swojej postaci. To powiedziawszy, chwilowe odwrócenie się od publiczności lub spojrzenie na boki to dobry sposób na odegranie wstydu, strachu lub bierności. Alternatywnie, zwrócenie całego ciała w stronę publiczności może wywołać duże, potężne emocje lub moment.
Krok 10. Zachowaj prostotę działania, aby było skuteczne
Pod koniec dnia twój śpiew powinien wykonywać większość artystycznego „ciężkiego podnoszenia”. Kiedy już opanujesz mimikę twarzy i blokowanie, skup się na śpiewaniu tak dobrze, jak to możliwe. Nie próbuj dodawać wielu małych tików i ruchów, nadmiernie komplikując piosenkę i umniejszając rzeczywistą muzykę. Zachowaj prostotę, zachowuj się naturalnie i trzymaj się blisko tekstu i nastroju piosenki – zrób te trzy rzeczy, a będziesz świetny.
Kiedy już podejmiesz decyzję jako aktor, bądź pewny siebie i trzymaj się jej. Jeśli wydaje ci się to właściwe dla ciebie, będzie odpowiednie dla publiczności
Krok 11. Ćwicz, aż aktorstwo i śpiew poczują się automatycznie
Twoim głównym celem jest zaśpiewanie piosenki tak mocno i skutecznie, jak to tylko możliwe, co oznacza, że chcesz, aby większość energii trafiła do Twojego głosu. Najłatwiej to zrobić, aby aktorstwo było tak rutynowe, że można to zrobić we śnie.
- Ćwicz blokowanie i ruch, aż będziesz mógł to robić z zamkniętymi oczami, a następnie wykonaj jeszcze jeden treningowy bieg.
- To może wydawać się przesadą, ale ćwiczenie samego śpiewania, po prostu grania i ćwiczenie tych dwóch rzeczy razem to najlepszy sposób na całkowite zrealizowanie tej części.
Metoda 2 z 3: Działając w zespole
Krok 1. Uśmiechaj się, śmiej i baw się dobrze
Jeśli dobrze się bawisz, Twoi odbiorcy też. Musisz podtrzymywać nastrój, a zespół i tłum pójdą za tobą. Jeśli się uśmiechasz i dobrze się bawisz, oni też będą. Nawet w przypadku trudnych koncertów lub gdy nie czujesz się w 100%, podejście „udawaj, aż ci się uda” pomoże wszystkim lepiej się bawić.
Nawet poważne zespoły i hardcorowe zespoły bawią się na scenie podczas gry, więc nie bój się puścić
Krok 2. Ruszaj się, zwłaszcza jeśli nie grasz na instrumencie
Obejrzyj niektórych klasycznych wokalistów, takich jak Mick Jagger z Rolling Stones, i zauważ, jak prawie nigdy nie stoi w miejscu. Dla początkujących dobrym sposobem na zastanowienie się nad tym jest próba zaśpiewania co najmniej raz indywidualnie każdej osobie w pokoju. Możesz więc iść w lewo i spędzić trochę czasu śpiewając im, a następnie przejść w prawo i zaśpiewać kilka taktów komuś po drugiej stronie pokoju.
- Jeśli masz śpiewaków w tle, dołącz do nich przez mikrofon na kilka taktów, aby pokazać poczucie wspólnoty.
- Jeśli używasz mikrofonu przewodowego, sprawdź jego długość podczas sprawdzania mikrofonu, aby uniknąć przypadkowego wyciągnięcia ze wzmacniacza.
Krok 3. Służ nastrojowi piosenki, naśladując jej ton i emocje
Jeśli grasz smutniejszą balladę, możesz w ogóle się nie ruszać. W rzeczywistości możesz rozważyć ustawienie stołka lub krzesła do piosenki, aby utrzymać cię w miejscu i zapewnić znacznie bardziej dramatyczny nastrój. Możesz też nie siedzieć na środku sceny przy rockowej melodii płonącej stodoły – ruszaj się, skacz, tańcz i śpiewaj, jakbyś był opętany.
- Jak możesz zmienić mimikę twarzy, aby pasowała do piosenek? W którym momencie teksty są odpowiednio emocjonalne? Aby uzyskać dobrą lekcję, zobacz, jak śpiewa Geoff Tate.
- Aby uzyskać naprawdę zniewalającą wydajność, możesz połączyć oba efekty. Na przykład w piosence, która powoli nabiera mocy, jak „Nie zawsze możesz dostać to, czego chcesz”, możesz zacząć siedzieć, zanim wyskoczysz z miejsca z niekontrolowaną energią.
- W końcu ludzie czują się jak wykonawcy, którzy są emocjonalnie transparentni, a nie sztuczni, mają najlepszą prezencję na scenie.
Krok 4. Przyciągnij publiczność do wspólnych momentów śpiewania lub klaskania
Jako osoba stojąca na czele zespołu, chcesz być duży i dowodzić, wciągać publiczność do chwili i angażować ją w muzykę. Jak łatwo to będzie, zależy od tłumu i jego entuzjazmu, ale masz kilka sztuczek w rękawie:
- Klaskanie lub utrzymywanie czasu jest łatwe i działa z każdym tłumem. Aby to zrobić, pozwól zespołowi grać przez dodatkowe 2-4 takty w sekcji, klaszcząc wysoko nad głową, aby zasygnalizować publiczności, aby zrobiła to samo.
- Nauczanie łatwego śpiewania tuż przed rozpoczęciem piosenki. Na przykład refren może mieć sekcję liczącą „1, 2, 3, 4, 5”. Zanim zacznie się piosenka, powiedz to publiczności i zapytaj „czy byliby skłonni dołączyć do zespołu i zagrać piosenkę”.
- Korzystanie z dobrze umieszczonego coveru. Granie piosenki, którą wszyscy znają, pozwala im śpiewać, nawet jeśli nie jesteś jeszcze wielkim zespołem. Gdy zaczną śpiewać, znacznie częściej pozostaną zaangażowani przez cały występ.
Krok 5. Przedstaw resztę zespołu w spokojniejszym momencie
Jest to dobry sposób na wypełnienie czasu podczas strojenia lub trochę czasu przed lub po wejściu na scenę. Pamiętaj, że będąc twarzą zespołu, nie jesteś jedynym jego członkiem. Poświęć trochę czasu na przedstawienie ludzi za tobą, aby wszyscy byli szczęśliwsi.
- „Na gitarze mamy niesamowite…”
- „Utrzymywanie rytmu jest naszym własnym…”
- Nie bój się dostosowywać tych wprowadzeń. Możesz powiedzieć, skąd pochodzą, ciekawostka, lub pochwalić kolegów z zespołu za ich umiejętności.
- Niektórzy wokaliści przedstawiają zespół indywidualnie. Możesz więc przedstawić gitarzystę po solówce kończącej piosenkę, perkusistę po potężnym, kulminacyjnym rytmie perkusji itp.
Krok 6. Użyj lekkiej improwizacji, aby rozkręcić tłum podczas gry
Jednym z najlepszych przykładów jest klasyczna linia reggae i ska „podnieś, podnieś, podnieś!” który służy do wprawiania zespołu i tancerzy w szał na parkiecie. Niezliczeni wokaliści, złapani w momencie muzyki, używali „tak”, „chodźmy” i „chodź”, aby utrzymać energię piosenki.
Nie bój się dać się porwać muzyce – to najlepszy sposób, by porwać również publiczność
Krok 7. Odsuń się i pozwól zespołowi zabłysnąć podczas solówek i sekcji instrumentalnych
Nie powinieneś cały czas skupiać się na sobie. Za każdym razem, gdy twoi koledzy z zespołu przejmą część utworu, cofnij się i pozwól publiczności skupić się na nich przez chwilę. Co najwyżej można je bardzo szybko wprowadzić lub skonfigurować przed rozpoczęciem gry:
„Zabierz to, _” to świetny sposób na przekazanie pałeczki gitarzyście tuż przed tym, jak zacznie szatkować solówkę
Krok 8. Zagraj na prostym instrumencie perkusyjnym, jeśli chcesz zrobić coś konkretnego
To może się nawet zmienić w zależności od piosenki, ponieważ w wolniejszych utworach trochę dziwnie jest skakać z pełną energią. Klasyczną opcją jest tamburyn, który można uderzać w biodro w rytm piosenki. Niektórzy śpiewacy wyciągają nawet drewniane klocki, krowie dzwonki i trójkąty, jak wymaga tego piosenka.
- Zapytaj kolegów z zespołu, czy są jakieś piosenki, których możesz łatwo nauczyć się na gitarze akustycznej, grając ją od czasu do czasu, miksując swój występ. W niektórych przypadkach nie musisz głośno podkręcać tej gitary, po prostu używaj jej jako cichego rekwizytu, co pomaga ukryć ewentualne błędy.
- Choć wydaje się to oczywiste, nie graj na instrumencie na scenie, jeśli masz trudności z zachowaniem czasu podczas śpiewania. Twój głos jest priorytetem.
Krok 9. Rozważ wcześniejsze zaplanowanie lub ponowne wykorzystanie popularnych fragmentów, historii i działań
Jeśli kiedykolwiek widziałeś ten sam zespół dwa razy podczas tej samej trasy, zobaczysz, jak bardzo jest to popularne. Kiedy opowiadasz historię o swoim dniu, która wywołuje ogromny śmiech między piosenkami, spróbuj ponownie w następnym programie i zobacz, czy równie dobrze się skończy. Co więcej, możesz nawet zacząć projektować ruchy i pomysły aktorskie, które zbliżą Twój zespół i publiczność.
- Czy jest jakiś żart lub dialog między tobą a innymi kolegami z zespołu, który podoba się ludziom?
- Jeśli lubisz tańczyć, czy ich ruchy lub rutyny, do których wracasz?
- Czy są jakieś wielkie, kulminacyjne momenty dla zespołów hardrockowych, w których możesz wskoczyć na scenę lub wykonać dramatyczny ruch taneczny?
Metoda 3 z 3: Działając jako solowy wykonawca
Krok 1. Emotuj teksty podczas ich śpiewania
Piosenkarze, autorzy tekstów, wokaliści koncertów solowych i inni wykonawcy, którzy śpiewają sami, to zazwyczaj intymni, osobiści artyści. Twoim celem jako piosenkarza jest sprawienie, by publiczność czuła się, jakby była sama w pokoju z tobą, aby zobaczyć głęboko osobistą i wzruszoną stronę siebie.
- Gdzie możesz warczeć ze złością lub smętnie załamać się nad złamanym sercem? Jak możesz śpiewać teksty w wyjątkowy, osobisty sposób?
- Dobrą strategią jest myślenie o każdej piosence tak, jakbyś śpiewała ją po raz pierwszy. Gdybyś był zrelaksowany i wypowiadał słowa do bliskiego przyjaciela, jak byś się zachowywał?
- Podczas gdy ma za sobą zespół, sprawdź występ Erica Claptona w „Unplugged”, a zwłaszcza piosenkę „Tears in Heaven”, aby śpiewać z dobrymi emocjami.
Krok 2. Użyj ramion i postawy, aby dodać powagi swojemu występowi
Luciano Pavarotti ma jeden z najbardziej ekspresyjnych i dobrze zagranych występów, używając wielkich gestów i emocjonalnej mimiki, aby naprawdę uosabiać swoje piosenki. Jest to szczególnie ważne w przypadku jego piosenek, które są w różnych językach, które publiczność może potrzebować wskazówek do zrozumienia, ale każdy piosenkarz może uczyć się z jego wyrazu twarzy i potężnej, ale spersonalizowanej postawy.
Nawet jeśli grasz na instrumencie, możesz użyć ramion, aby pobudzić publiczność lub dodać dramatyzmu, używając ruchów większych niż to konieczne i wkładając odrobinę teatralności do swojej gry
Krok 3. Dostosuj swoje wyniki do aktualnego nastroju lub emocji
Kiedy grasz sam, masz dużo więcej miejsca na improwizację i osobowość. Najbardziej oczywistym przykładem jest tempo, które ustalasz sam, nie martwiąc się, czy zespół podąży za nim. Jeśli czujesz dużą energię, zwiększ nieco prędkość. Jeśli piosenka wymaga czegoś bardziej przemyślanego i kontemplacyjnego, zwolnij trochę. Podobnie, głośność śpiewu i gry można regulować, aby dodać niuansów do śpiewu - głośniej dla ekspresyjnych, dużych emocji i ciszej dla sekcji kontemplacyjnych.
Jest to równie ważne w przypadku utworów, ponieważ możesz modulować tempo i głośność, aby stworzyć napięcie i napięcie podczas gry. Takie postępowanie nazywa się „dynamiką”
Krok 4. Zaangażuj publiczność między piosenkami, opowiadając historie lub żarty
To, co powiesz, zależy od Ciebie, ale dobrą zasadą jest, aby było to krótkie i słodkie. Nie bój się powtarzać tych samych historii i komentarzy, zwłaszcza jeśli pasują do jednej publiczności. Oto kilka pomysłów na to, co można powiedzieć:
- Historie o inspiracji lub procesie pisania piosenki
- Komentarze dotyczące lokalizacji, miejsca lub wydarzenia.
- Osobista anegdota z twojego dnia lub tygodnia.
- Pytania lub komentarze dotyczące osób na widowni.
- Dzięki i wdzięczność za przybycie i cieszenie się muzyką.
Krok 5. Połącz się z każdym zakątkiem pokoju
Stań twarzą w twarz, zaśpiewaj i spójrz na każdą część pokoju. Dobrym sposobem, aby to zrobić, jest po prostu stworzenie prostego wzoru, takiego jak obracanie się w przód iw tył, ale gdy staniesz się lepszy, znajdziesz bardziej naturalne sposoby, aby to zrobić. Użyj swoich oczu, aby przyciągnąć jak najwięcej widzów do swojego świata i nie bój się patrzeć prosto na ludzi.
Najłatwiejszym sposobem na przeskanowanie widowni jest spojrzenie tuż nad głowami ludzi na środkowych siedzeniach, skręcając stamtąd w prawo i w lewo
Krok 6. Daj się porwać swojej muzyce
Najlepszym sposobem, aby zachowywać się naturalnie na scenie, jest po prostu to robić. Im bardziej stajesz przed ludźmi i zaczynasz grać, tym bardziej staje się to wszystko drugą naturą, co pozwala ci wyrażać coraz więcej swojej osobowości podczas gry. Zamiast afiszować się lub grać postać, z którą nie czujesz się komfortowo, po prostu skup się na graniu najlepszej piosenki, jaką możesz. Najczęściej twoja ekspresja i mowa ciała naturalnie pójdą w ich ślady.
Krok 7. Nagraj się na taśmę i obejrzyj później, aby uzyskać pomysły na poprawę
Oglądanie i słuchanie swoich starych występów to najlepszy sposób, aby uzyskać perspektywę publiczności i zobaczyć, gdzie można poprawić niektóre sekcje. Obserwując siebie, staraj się nie być zbyt krytycznym, ponieważ łatwo jest pobić się za małe błędy. Zamiast tego zwróć uwagę na publiczność. Co daje największe brawa, gdzie ludzie wydają się trochę znudzeni i jak długo zajmuje im wejście w nastrój każdej piosenki?
