Animacja jest łatwa do opanowania, ale trudna do opanowania. Istnieje tyle stylów animacji, ilu jest animatorów, a rozpoczęcie od krótkiego filmu to świetny sposób na ćwiczenie technik animacji podczas rozwijania stylu „podpisu”. Jak każdy inny film, animacja wymaga czasu, cierpliwości i dużo planowania, ale każdy, kto ma komputer, może nakręcić krótki film animowany.
Kroki
Metoda 1 z 3: Tworzenie animatika (przedprodukcja)
Krok 1. Napisz scenariusz
Często łatwiej to powiedzieć niż zrobić, ale przed rozpoczęciem pracy musisz wyraźnie zapisać swoje pomysły i nadać im strukturę. W przeciwieństwie do akcji na żywo, „improwizacja” filmu animowanego jest prawie niemożliwa, ponieważ animacja wszystkiego zajmuje zbyt dużo czasu. Możesz użyć prostego programu Word lub oprogramowania do pisania skryptów, takiego jak Celtx, Writer Duets lub Final Draft. Twój skrypt nie potrzebuje dialogu, ale potrzebuje:
-
Temat.
Jaki jest „cel” filmu krótkometrażowego? To nie musi być wielkie, głębokie ani skomplikowane. Może to być wszystko, od „utraty niewinności z dzieciństwa” lub „nuda jest stanem umysłu” po „chcę rozśmieszyć ludzi tym żartem”. Potraktuj to jako zasadę przewodnią swojego filmu.
-
Postacie.
Co przyciągnie uwagę Twoich odbiorców? Może to być wszystko, od osoby lub zwierzęcia po krętą linię, jak na przykład nagrodzony Oscarem film „The Dot and the Line: A Romance”.
-
Wizualizacje.
Gdzie odbywa się krótki film? Jaki jest nastrój lub atmosfera? Scenariusz musi w pełni opowiedzieć historię krótkiego filmu, aby można go było wykorzystać jako plan przyszłej pracy.
-
Początek, środek i koniec.
Brzmi to oczywiste, ale o to właśnie chodzi – prawie wszystkie historie są opowiedziane w trzech konkretnych, nakreślonych częściach lub aktach. Nie oznacza to, że musisz mieć trzyaktową historię, a nawet „postacie”. Musisz jednak przemyśleć „akcję” filmu krótkometrażowego, zanim przejdziesz dalej.
- Akt 1 wprowadza bohaterów i problem (są głodni, świat się kończy, chłopak się w kimś podkochuje itp.)
- Akt 2 komplikuje historię/problem (wszystkie sklepy są zamknięte, zły facet może wygrać, osoba ma już chłopaka itp.).
- Akt 3 rozwiązuje problem (znajdują sklep z kanapkami, ratują świat, chłopak poznaje inną osobę itp.)
Krok 2. Szkicuj modele postaci
Zanim zaczniesz animować, musisz wiedzieć, jak będą wyglądać twoje postacie. Naszkicuj je w różnych pozach, kostiumach i wyrażeniach, aby poczuć, jak będą wyglądać. Pamiętaj, że postacią w filmie animowanym może być cokolwiek, od niedźwiedzia po parę solniczek i pieprzniczek. Mimo to chcesz rozwijać swoje postacie z wyprzedzeniem, aby wyglądały spójnie podczas ich animacji.
Krok 3. Opracuj storyboard
Scenorysy są indywidualnymi rysunkami dla każdego fragmentu akcji w scenariuszu i są wykorzystywane w produkcji prawie każdego filmu - animowanego lub innego. Są zarówno proste, jak i kompleksowe, ponieważ potrzebujesz jednego do każdej zmiany, którą chcesz w filmie. Nie potrzebują jednak szczegółów ani koloru tła, chyba że jest to niezbędne dla fabuły. Możesz znaleźć i wydrukować różne bezpłatne szablony scenorysów online lub narysować własne. Każda ramka storyboardu składa się z dwóch części:
-
Obraz:
W prostokątnym polu narysuj główną akcję ujęcia, na razie ignorując obrazy tła. Możesz także rysować notatki lub strzałki, aby wskazać ruch.
-
Dialog.
Pod ujęciem zapisz, co należy powiedzieć w ujęciu, proponowaną długość ujęcia i wszelkie efekty (przybliżenie, drżenie aparatu itp.)
Krok 4. Zaimportuj swój storyboard do programu do tworzenia filmów, zapisując każdą klatkę indywidualnie
Po zaplanowaniu zdjęć zaimportuj je do komputera. Upewnij się, że nadałeś im odpowiednią nazwę (na przykład Act1. Scene1. Shot1.jpg). Po zakończeniu zaimportuj je wszystkie do oprogramowania do edycji filmów (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects itp.) i ułóż je we właściwej kolejności.
Adobe AfterEffects lub Premier są uważane za standardy branżowe, ale możesz korzystać z dowolnego programu, który najbardziej Ci odpowiada
Krok 5. Użyj scenorysu, aby zrobić pokaz slajdów w czasie lub animację
Animatyka to surowe fragmenty animacji - razem uchwycają tempo i rytm filmu krótkometrażowego i pozwalają na właściwe wyczucie czasu na końcowy film krótkometrażowy. Brzmi to skomplikowanie, jednak tak naprawdę to tylko pokazy slajdów z odpowiednim czasem. Uporządkuj obrazy scenorysu w oprogramowaniu do edycji i rozszerzaj, tnij i baw się nimi, aż uzyskasz „zgrubny” krój końcowego filmu.
- Przykłady animatików można znaleźć w Internecie, na przykład animatik do teledysku „Feel Good Inc”. a także niektóre animatyki Pixara.
- Prawie wszystkie filmy animowane są najpierw przekształcane w animatyki. W przeciwnym razie ryzykujesz spędzenie godzin w pełni animując scenę, która musi się zmienić, wydłużyć lub skrócić lub zostać usunięta.
Krok 6. Dodaj okno dialogowe i efekty dźwiękowe i dostosuj czas animacji według potrzeb
Gdy już skończysz, nadszedł czas na wstępne nagranie okna dialogowego. To nie musi być idealne, a jeśli chcesz, możesz nawet udawać efekty dźwiękowe ustami i rękami. Liczy się czas. Czy masz wystarczająco dużo czasu w „strzale”, aby wydobyć wszystkie słowa? W razie potrzeby wydłuż lub skróć długość slajdów.
Im bliżej uda Ci się doprowadzić dialog do perfekcji, tym lepiej, ponieważ większość dobrych aktorów głosowych wymaga odpowiedniego wyczucia czasu. To powiedziawszy, teraz nie jest czas, aby martwić się drobniejszymi szczegółami aktorstwa głosowego. Musisz zebrać swój animatic, zanim przejdziesz do pełnej produkcji
WSKAZÓWKA EKSPERTA
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Krok 7. Przejrzyj swój animatic tak, jakby był ostatnim filmem
Ostateczny animatik powinien opowiadać pełną historię Twojego filmu, pomijając ozdobniki koloru, tła i szczegółów.
Jeśli masz wiedzę na temat edycji wideo, możesz teraz dodać panoramowanie, przybliżenie i przejścia, aby przetestować je przed ostateczną edycją
Krok 8. Rozważ zakup tabletu
Tablety to małe podkładki komputerowe, które są dostarczane z elektronicznym pisakiem, dzięki czemu można „wciągnąć” bezpośrednio do komputera. Dobre rysowanie za pomocą myszy jest prawie niemożliwe, a jeśli nie planujesz małych projektów lub pracy poklatkowej, prawie na pewno będziesz potrzebować tabletu.
Metoda 2 z 3: Animowanie filmu (produkcja)
Krok 1. Określ swoje medium animacyjne
Zwykle zależy to od Twojej wiedzy i sprzętu. Na przykład, dla początkującego ze starszym komputerem bardzo trudno, jeśli nie niemożliwe, jest tworzenie animacji 3D, takich jak Pixar. Istnieje wiele, wiele programów animacyjnych i stylów, a wszystkie z nich mają zawiłości i techniki unikalne dla oprogramowania.
-
Animacja 2D:
To klasyczny rysunek, ręcznie rysowany wygląd. Znaki są rysunkami płaskimi. Początkowo rysowano je klatka po klatce, ale teraz istnieje wiele programów znacznie przyspieszających ten proces, takich jak Synfig, Pencil2D, ToonBoom, a nawet Adobe Photoshop. Tradycyjnie używa się 12-24 rysunków na sekundę filmu.
-
Animacja 3D:
Podobnie jak modele używane w grach wideo i filmach, takich jak Toy Story i Shrek, animacja 3D jest znacznie trudniejsza do opanowania. Tworzysz modele postaci i poruszasz się w nich kodem, czyniąc z animacji 3D rodzaj artystycznej/kodującej hybrydy. Musisz także dodać oświetlenie i tekstury. Oprogramowanie 3D może być używane, ale zajmuje to dużo czasu i wymaga oprogramowania takiego jak AutoDesk, Poser Pro, Aladdin lub Sketchup. Większość animacji 3D jest wynikiem współpracy dużych zespołów.
-
Ruch poklatkowy:
Tak proste, że każdy może to zrobić, zatrzymanie ruchu jest wtedy, gdy używasz rzeczywistych postaci lub rysunków i robisz zdjęcie po każdym małym ruchu. Gdy zdjęcia są odtwarzane jeden po drugim z dużą szybkością, wygląda to na ruch. Jest to jednak niezwykle czasochłonne, ponieważ często potrzebujesz ponad 12 zdjęć na sekundę, aby materiał wyglądał płynnie. Możesz użyć do tego wycinanek, modeli glinianych, pojedynczych rysunków lub prawdziwych ludzi.
-
Rotoscoping:
Rotoscoping to niszowa forma animacji, którą można znaleźć w filmach takich jak A Scanner Darkly. Będziesz potrzebować tabletu i będziesz przeglądać nagranie klatka po klatce, używając wideo na żywo jako przewodnika do rysowania postaci. Rezultatem jest realistyczny, ale wciąż animowany wygląd.
Krok 2. Narysuj swoje tła
Zacznij od ustawień, ponieważ znaki są na nie nakładane. Tłem powinno być wszystko, z czym bohaterowie nie wchodzą w interakcję, ponieważ wszystko, co się rusza, musi być animowane. Tło powinno być dużym rysunkiem i zeskanowane w wysokiej rozdzielczości. Pozwala to na „przybliżenie” niektórych sekcji bez zniekształceń. Na przykład, jeśli masz dwie postacie rozmawiające w kawiarni, chcesz narysować za nimi całą kawiarnię. Ale możesz chcieć, aby „kamera” skupiała się na każdej postaci, która mówi indywidualnie. Zamiast przerysowywać tło za nim, możesz skopiować i wkleić mniejszą część szczegółowego tła do „zbliżeń”.
Krok 3. Szkicuj, modeluj lub projektuj swoje „kluczowe pozy”
" Jakie są podstawowe pozy twoich postaci lub działania, które każdy z nich wykonuje w scenie? Pomyśl o nich jako o „celach” dla każdego fragmentu ruchu. Weźmy na przykład postać nakręcającą się na cios. Możesz podzielić to na trzy „kluczowe pozy”, z których każda musi zostać narysowana i zapisana osobno.
- Pozycja klawisza 1 = Odpoczynek. Może to być twarz zdziwiona, zła, determinacja lub po prostu postać z rękami po bokach.
- Pozycja klawisza 2 = Nakręcanie. Jak postać odchyla rękę do tyłu? Nie martw się jeszcze o ruch, aby dostać się do tej pozycji, po prostu wyciągnij je z powrotem do tyłu i gotowe do puszczenia.
- Kluczowa pozycja 3 = Kontynuacja. Gdzie postać kończy się zaraz po uderzeniu? Ich ramię zostanie odsłonięte, a ciało prawdopodobnie podąży za nimi. Ponownie, chcesz ostatecznej pozy, a nie ramek, gdy ręka przechodzi.
- Im więcej kluczowych pozycji narysujesz, tym bardziej złożony będzie ruch. Na przykład możesz dodać klatkę kluczową, aby postać wyglądała na zszokowaną, zwijała się w pięść, opuszczała łokieć, machała ręką, uderzała pięścią, a następnie obracała się, podążając za nią.
Krok 4. Wyciągnij ramki „pomiędzy”
Weźmy na przykład cios - jak przechodzisz od klucza do klucza? Istnieje kilka zaawansowanych programów, które zrobią to za Ciebie – kiedy już stworzysz modele postaci, oprogramowanie „wyrenderuje” ruch pomiędzy nimi. Jeśli jednak dopiero zaczynasz, prawdopodobnie będziesz musiał ręcznie narysować własne ramki. Im więcej narysujesz klatek, tym płynniejsza będzie akcja.
- Może pomóc umieszczenie klatek kluczowych na ekranie jako wskazówek. Pomoże ci to zobaczyć, gdzie musisz znaleźć postacie i gdzie zaczęły.
- Jeśli coś się nie rusza, nie zawracaj sobie głowy rysowaniem. Skopiuj i wklej klatkę kluczową, wymaż część, która ma zostać przeniesiona, i zachowaj wszystko inne na swoim miejscu.
Krok 5. Skomponuj materiał filmowy
Kompostowanie to tylko fantazyjny sposób na opisanie łączenia filmu w całość. Może to być tak proste, jak zamówienie wszystkich ramek do animacji poklatkowej, lub tak skomplikowane, jak renderowanie modelu 3D z dokładnym oświetleniem. Ponownie, twoja metoda animacji określi, w jaki sposób coś skomponujesz:
- W przypadku animatorów 2D komponowanie polega na tym, aby ruch wyglądał płynnie. Oprogramowanie takie jak ToonBoom zrobi to za Ciebie i może być nazywane „renderowaniem”.
- Animatorom 3D wiedz, że zajmuje to dużo czasu. Programowanie efektów świetlnych i tekstur jest trudne, a skomponowanie wideo nawet najszybszym komputerom może zająć wiele godzin.
- W przypadku animatorów poklatkowych powinieneś bawić się długością klatki, dostosowując ujęcia o dziesiątą lub setną część sekundy, aby uzyskać płynny, płynny ruch.
Metoda 3 z 3: Wykańczanie filmu (postprodukcja)
Krok 1. Nagraj dowolne okno dialogowe do końcowego filmu
Teraz, gdy masz już prawie ukończoną animację, nadszedł czas, aby uzyskać odpowiedni wokal. Twoi aktorzy głosowi widzą ostatnią scenę, wyrazy twarzy swoich postaci i czas, jaki chcesz w ostatnim ujęciu. To pozwala im (lub Tobie) zapewnić najlepszą wydajność wokalną.
Zwróć uwagę, że w tym momencie wprowadzanie jakichkolwiek zmian w animacji może być bardzo czasochłonne. Dlatego staranne przygotowanie do produkcji jest niezbędne w przypadku filmu animowanego o dowolnej długości
Krok 2. W razie potrzeby dodaj efekty dźwiękowe
Efekty dźwiękowe powinny nadejść po aktorach głosowych i być dostrojone do odpowiedniej głośności, tak aby nie przytłaczały dialogu. Oczywiście są pewne wyjątki od tej reguły. Na przykład, jeśli nastąpi eksplozja, na którą postacie muszą zareagować, najlepiej umieścić ją jako pierwszą, przed nagraniem dialogu. To pomaga aktorom reagować.
Miksowanie dźwięku to ważna i subtelna forma sztuki. Zainwestuj w dobre słuchawki i/lub głośniki, aby prawidłowo dostroić wszystkie poziomy głośności
Krok 3. Przytnij film do swojej ostatecznej wizji
Teraz, gdy masz już cały film, jak się trzyma? Są szanse, że niektóre przejścia będą niezgrabne, a jedna lub dwie sceny trwają dłużej niż powinny. Tak jak montujesz dowolny film akcji na żywo, musisz krytycznie spojrzeć na swój animowany kawałek i dopracować go, aż zacznie błyszczeć. Chociaż nie ma „poprawnego” sposobu montażu filmu, należy pamiętać o kilku zasadach:
- Czy jakieś sceny wydają się szybkie i niezbędne? Czy przez cały czas czujesz się zaangażowany? Czy konkretna linia lub ujęcie pomaga poruszyć historię lub temat? Jeśli odpowiedź na którekolwiek z tych pytań brzmi „nie”, zacznij przycinać. Często pierwsza i ostatnia linijka dialogu są nieistotne, ponieważ wskakiwanie od razu do/ze sceny jest zwykle bardziej wciągające. Podczas edycji liczy się każda klatka.
- Obejrzyj film z kimś, kto jest odległy od projektu. Czy były części, które się nudziły? Czy coś ich zdezorientowało lub potrzebowało więcej czasu? Jak możesz przyciąć i przyciąć swoją historię, aby była jak najbardziej porywająca?
- Jak ta scena płynie razem? Czasami 2-3 sekundy materiału w tle pomagają widzowi złapać oddech i zanurzyć się w następnej scenie, zanim rozpocznie się dialog.
Krok 4. Dodaj swoje polerowanie, takie jak efekty, przejścia i korekcja kolorów
Na przykład, jeśli chcesz mieć w filmie starodawny odcień sepii, dodaj go na końcu. Tego rodzaju drobne zmiany są niepotrzebne podczas przycinania, przycinania i budowania filmu. Co więcej, będą bezużyteczne, jeśli wytniesz scenę lub zmienisz schemat kolorów. Wszystkie te drobiazgi muszą być ostatnie, gdy już masz pewność, że „mięso” z filmu jest gotowe.
- Dodawaj przetarcia, rozpuszczanie lub zanikanie do przejść scen.
- Dodaj dowolne filtry lub efekty do gotowego materiału filmowego.
- Dodaj tytuły i napisy na początku i na końcu, jeśli to konieczne, na samym końcu.
Wideo - Korzystając z tej usługi, niektóre informacje mogą być udostępniane YouTube
Porady
- Pracuj małymi kawałkami, aby uzyskać najlepsze wyniki - scena, akcja itp. - a następnie zbuduj je razem później.
- Nie spiesz się na pre-produkcji. Zaoszczędzi to później wielu bólów głowy.
- Zrób film testowy, nie dłuższy niż 20-30 sekund, jeśli dopiero zaczynasz z nowym oprogramowaniem. Pomaga to poznać program i wyzwania przed zanurzeniem się w swojej wizji.
