Kręcenie filmu może być czymś, co robisz dla zabawy z przyjaciółmi, albo czymś, co traktujesz całkowicie poważnie. Tak czy inaczej, jest to proces, który zajmuje trochę czasu, między wyborem scenariusza, obsadzeniem aktorów i nakręceniem właściwego filmu, ale gdy już opanujesz podstawy, będzie dobrze. Zobacz krok 1, aby rozpocząć proces reżyserowania.
Kroki
Część 1 z 4: Przygotowanie do filmowania
Krok 1. Wybierz skrypt
Dobry scenariusz może sprawić, że nawet przeciętny reżyser będzie wyglądał dobrze, więc wybieraj mądrze. Możesz też sam napisać scenariusz, jeśli lubisz i jesteś w tym dobry. Podczas pisania lub wybierania scenariusza należy zwrócić uwagę na kilka rzeczy, które mogą pomóc w wyborze najlepszego możliwego scenariusza.
- Struktura jest kluczem do dobrej historii. Trzyaktowa struktura jest narzędziem powszechnie używanym przez scenarzystów do wymyślenia dobrej historii. Działa to tak: ustawienie (Akt 1), konfrontacja (Akt 2), postanowienie (Akt 3). Kluczowe punkty zwrotne mają miejsce pod koniec Aktu 1 i Aktu 2.
- Dobry scenariusz raczej pokazuje niż mówi. Chcesz, aby publiczność odgadła, co się dzieje na podstawie mowy ciała aktorów, w co się ubierają, co robią i jak wypowiadają kwestie. Scenariusze są z natury niezwykle wizualne.
- Każda scena musi być poprzedzona linią ślimaka, która mówi, czy scena jest wewnętrzna czy zewnętrzna, czy jest noc czy dzień i gdzie się znajduje. (Na przykład: WNĘTRZE. SALON -- NOC.)
- Opisując akcję, opisujesz tylko to, co będzie widoczne na ekranie. Na przykład, zamiast mówić „John wchodzi do salonu. Jest zły, bo zostawiła go jego dziewczyna”, powiedziałbyś „John wchodzi do salonu. Zatrzaskuje za sobą drzwi i kopie sofę”.
Krok 2. Scenorysuj swój skrypt
Tworzenie scenorysów jest niezwykle ważne, abyś wiedział, jak najlepiej wyreżyserować każdą scenę, jakie kąty kamery chcesz, jak chcesz, aby wyglądała. Nie musisz trzymać się scenorysu podczas kręcenia, ale da ci to miejsce do rozpoczęcia.
- Rzeczy, które będziesz omawiać, to: jakie postacie znajdują się w każdej klatce, ile czasu minęło między bieżącą klatką a poprzednią klatką, gdzie znajduje się kamera w kadrze (jak wygląda ujęcie).
- Twoja scenorys nie musi być doskonały. Musi po prostu dać ci wyczucie scenariusza i sposób, w jaki scenariusz powinien być nakręcony.
- Wybierz ton swojego filmu. Brudny film o prywatnym detektywie z lat dwudziestych będzie miał zupełnie inny charakter niż beztroska komedia o niebezpieczeństwach rodzicielstwa. Świetnym sposobem na porażkę filmu jest zmiana tonu w połowie, tak aby beztroska komedia nagle stała się tragedią bez ostrzeżenia. Nie oznacza to, że komedia nie może zawierać elementów tragedii lub odwrotnie, ale Twój film, zwłaszcza jeśli dopiero zaczynasz reżyserować, powinien trzymać się jednego tonu.
Krok 3. Uzyskaj finansowanie na swój film
Nie możesz zrobić filmu bez jakiegoś finansowania, zwłaszcza jeśli chcesz, aby był to film oglądany przez osoby inne niż twoja rodzina. Sprzęt filmowy kosztuje, potrzebne są rekwizyty, lokacje, aktorzy i ludzie od technologii. Większość z tych rzeczy kosztuje.
Jeśli wybierasz się na niezależną ścieżkę filmową, nadal powinieneś spróbować znaleźć producenta swojego filmu, kogoś, kto wymyśli fundusze i zapewni Ci miejsca filmowania
Krok 4. Obsadź aktorów do każdej roli
Jeśli masz mało funduszy, prawdopodobnie będziesz musiał sam wykonać casting, ale poza tym dobrym pomysłem jest zatrudnienie reżysera castingu, który wykona tę pracę. Zazwyczaj reżyser castingu ma dostęp do większej liczby możliwości znalezienia odpowiednich aktorów do Twojego filmu.
- Chcesz ludzi, którzy byli w innych filmach i rozumieją, jak to działa. Aktorzy teatralni nie są do tego świetni, ponieważ granie w teatrze i granie w filmie są niesamowicie różne.
- Są dobrzy i nadchodzący aktorzy, którzy nie są zbyt drodzy. To, czego szukasz, to charyzma i talent. Zwykle oznacza to nie tylko obsadzenie ról znajomych (chyba że reżyserujesz film tylko dla zabawy, w takim przypadku zrób to).
Krok 5. Znajdź lokalizacje, rekwizyty i materiały
Filmy wymagają lokalizacji (sypialnia, salon, róg ulicy, ogród itp.), w których można je kręcić. Czasami można kręcić w tych lokalizacjach za darmo, a czasami trzeba zapłacić. Podobnie będziesz potrzebować rekwizytów, kostiumów, makijażu i materiałów do filmowania (mikrofon, kamery itp.).
- Jeśli masz producenta, to właśnie on będzie robił. Upewnij się, że masz wszystko, czego potrzebujesz i pozwolenie na filmowanie w określonych lokalizacjach. W przeciwnym razie będziesz musiał to zrobić sam.
- Jeśli masz naprawdę niski budżet, porozmawiaj z przyjaciółmi i rodziną. Może znasz kogoś, kto jest dobry w makijażu, żeby zrobił dla ciebie makijaż, a może twoja ciocia ma na strychu kilka ubrań z epoki.
Krok 6. Zaplanuj odpowiednio
Jeśli nie masz jasnej wizji i planu, jak będziesz filmować, jak to będzie wyglądać, będzie to trudny proces filmowania. Musisz mieć określone szczegóły i musisz wiedzieć, co zrobić, aby proces filmowania zakończył się sukcesem.
- Utwórz listę ujęć. Jest to w zasadzie ponumerowana lista wszystkich ujęć w filmie, która opisuje kadrowanie, ogniskową, ruch kamery i rzeczy, o których należy pamiętać (takie jak ewentualne problemy związane z filmowaniem). Możesz również podwoić to za pomocą scenorysu, cokolwiek działa najlepiej dla Ciebie.
- Utwórz podział skryptu. Jest to w zasadzie proces, w którym identyfikujesz każdy element potrzebny do nakręcenia filmu, w tym lokalizację, rekwizyty, wszelkie efekty itp. Ponownie, będzie łatwiej, jeśli masz producenta, który ci w tym pomoże.
- Zwiad techniczny ze wszystkimi technikami. Oznacza to chodzenie do miejsc filmowych i przeglądanie każdego ujęcia ze swoimi pracownikami technicznymi, aby wszyscy dokładnie wiedzieli, czego się spodziewać po każdym ujęciu. Możesz omówić problemy, które mogą się pojawić (takie jak specyficzne oświetlenie, problemy z dźwiękiem itp.).
Krok 7. Zaplanuj strzały
Jeśli uda ci się zdobyć dobrego pierwszego AD (asystenta reżysera), będziesz chciał. To osoba, która w razie potrzeby krzyczy na aktorów i robi takie rzeczy, spisuje wszystkie notatki podczas harcerstwa technicznego i planuje wszystkie ujęcia.
Planowanie ujęć w zasadzie oznacza ustalenie harmonogramu, kiedy ujęcia będą kręcone. Prawie nigdy nie odbywa się to w porządku chronologicznym, ale zwykle ma więcej wspólnego z oświetleniem lub ustawieniami kamery
Część 2 z 4: Praca z aktorami
Krok 1. Przećwicz skrypt przed zrobieniem zdjęcia
Wydaje się to bardzo oczywistym krokiem, ale jest naprawdę ważne. Kiedy dojdziesz do właściwej części filmowania, chcesz, aby aktorzy czuli się komfortowo ze swoimi liniami i blokowaniem.
- Zacznij od omówienia scenariusza, w którym ty i twoi aktorzy siedzicie przy stole i przechodzicie przez każdą scenę. Czują się bardziej komfortowo ze słowami, z tobą i ze sobą, co znacznie ułatwi filmowanie.
- Naprawdę utalentowani aktorzy niekoniecznie potrzebują dużo prób przed kręceniem i lepiej nie przesadzać z bardzo emocjonalnymi scenami, aby były świeże do rzeczywistego ujęcia, ale to działa tylko z doświadczonymi i utalentowanymi aktorami, więc jeśli pracujesz z aktorami-amatorami, ćwiczenie scenariusza przed kręceniem to dobry pomysł.
Krok 2. Upewnij się, że aktorzy nauczyli się swoich kwestii
Aktor nie może dać oszałamiającego występu bez znajomości swojego scenariusza od początku do końca. Nie chcesz, żeby nagle pojawili się na planie w dniu zdjęć, nie nauczywszy się ich kwestii. Dlatego próby są tak ważne.
Krok 3. Wyjaśnij podtekst w każdej scenie
Oznacza to, co dzieje się na scenie poza samym dialogiem. Powie również aktorowi, jakie są prawdziwe intencje jego bohatera w scenie iw filmie, co określi, w jaki sposób go wyreżyserujesz.
- Mniej znaczy więcej w aktorstwie w filmie. To, czego oczekujesz od swoich aktorów, to silna obecność, która jest widoczna nawet wtedy, gdy nic nie robią. Aktor, który potrafi wciągnąć widzów w postać, nie robiąc wiele.
- Na przykład: John, nasz wściekły protagonista z góry, będzie grany inaczej w zależności od tego, czy nienawidzi swojej dziewczyny za to, że go opuściła, czy nadal jest w niej zakochany (lub jedno i drugie).
Krok 4. Bądź spokojny, skoncentrowany i jasny
Banał wściekłego, wrzeszczącego reżysera jest po prostu banałem. Jako reżyser jesteś tym, który rządzi (jeśli nie masz producenta), co oznacza, że wszyscy będą od Ciebie oczekiwać spokojnego i jasnego kierunku.
- Dlatego tak ważny jest podział scenariuszy i scenariuszy. Możesz odnieść się do nich w każdej scenie i pokazać swoją wizję tym, którzy dla ciebie pracują.
- Pamiętaj, że film powstaje w oparciu o wkład wielu różnych osób, nawet jeśli reżyser i aktorzy mają największe zasługi. Kiedy masz do czynienia ze swoją obsadą i ekipą, lepiej nie zachowywać się, jakbyś był najważniejszą osobą na planie.
- Będziesz miał lepsze wrażenia z reżyserowania filmu, jeśli będziesz miły i szanujesz wszystkich, którzy nad nim pracują.
Krok 5. Podaj szczegółowe instrukcje
To dla aktorów. Jeśli wyjaśniłeś podtekst swoim aktorom i swoją wizję filmu, nie powinno być większego problemu z robieniem przez nich tego, co muszą zrobić w swoich scenach, ale ważne jest, abyś udzielił konkretnych instrukcji, nawet takie jak „wypróbuj ponownie tę linię szybciej”.
- Rób obszerne notatki. Na liście ujęć zapisz konkretne krytyczne rzeczy, które chcesz, aby zrobili aktorzy. Im jaśniejsze i bardziej szczegółowe informacje znajdziesz w swoich opiniach i prośbach, tym łatwiej będzie aktorom i ekipie zrealizować twoją wizję.
- Przekaż negatywną lub szczegółową opinię aktorom na osobności. Możesz to zrobić nawet, gdy w pobliżu są inne osoby, o ile tylko aktor, który otrzymuje informację zwrotną, słyszy ją. W ten sposób nikt się nie wstydzi ani nie obrazi.
- Upewnij się, że przekazujesz pozytywne opinie. Aktorzy lubią wiedzieć, że ich praca jest doceniana i że postępują właściwie. Daj im o tym znać, nawet jeśli jest to coś tak prostego, jak „Naprawdę podobało mi się to, co zrobiłeś w ostatniej scenie; spróbujmy tego, kiedy kręcimy ujęcie”.
- Czasami, jeśli masz naprawdę dobrego aktora, najlepiej pozwolić mu robić własne rzeczy bez zbytniego kierowania. Choć może nie zawsze iść w kierunku, który zaplanowałeś, sceny i sam film mają możliwość podążania w nowym i świeżym kierunku.
Część 3 z 4: Nagrywanie filmu
Krok 1. Poznaj różne rodzaje ujęć i kąty kamery
Kiedy reżyserujesz, będziesz musiał znać różne rodzaje ujęć, kąty kamery i ruchy kamery, aby wiedzieć, jak kręcić każdą scenę i co chcesz uzyskać z każdej sceny. Różne kąty i rodzaje ujęć zmieniają nastrój sceny.
- Kadrowanie (lub długość ujęć): ekstremalnie długie ujęcie (zwykle ujęcie wprowadzające, z odległości nawet ćwierć mili), dalekie ujęcie (jest to ujęcie „w naturalnej wielkości”, które odpowiada odległości między widownią a ekranem w kinie; skupia się na postaciach i obrazach tła), średnie ujęcie (jest to zwykle używane do scen dialogowych lub zbliżenia określonej akcji i zwykle zawiera od 2 do 3 postaci od pasa w górę), zbliżenie (to ujęcie koncentruje się na twarz lub obiekt z tłem jako rozmytym, zwykle używanym do wniknięcia w umysł postaci), skrajne zbliżenie (zwykle skupia się na jednym konkretnym szczególe, takim jak usta lub oczy, zwykle używane do pewnego rodzaju dramatycznego efektu).
- Kąt kamery określa związek między kamerą a tym, co jest nagrywane, i przekazuje widzom emocjonalne informacje na temat obiektu lub postaci w ujęciu. Widok z lotu ptaka (pokazuje scenę bezpośrednio nad głową, ustawiając publiczność w boskiej pozycji, a także czyniąc normalne rzeczy nierozpoznawalnymi), wysoki kąt (kamera znajduje się nad akcję za pomocą dźwigu i daje rodzaj przeglądu co się dzieje), poziom oczu (jest to bardziej neutralny kąt, w którym kamera działa jak inny człowiek obserwujący scenę), niski kąt (zwykle powoduje, że publiczność czuje poczucie bezsilności lub zakłopotania i gdy patrzy w górę na obiekt, który może wywołać strach lub dezorientację), ukośny/skośny kąt (używany w wielu horrorach, ten strzał wywołuje poczucie braku równowagi, przejścia i niestabilności).
- Ruchy kamery sprawiają, że akcja wydaje się wolniejsza niż szybkie cięcia, ale może też mieć bardziej „realistyczny” efekt. Pan (skanuje scenę w poziomie), przechyla (skanuje scenę w pionie), ujęcia dolly (znane również jako ujęcia śledzenia/jazdy ciężarówką, w których kamera śledzi akcję na jakimś poruszającym się pojeździe), ujęcia z ręki (aparat Steadicam sprawia, że ujęcia z ręki są mniej szarpane, a jednocześnie dają poczucie natychmiastowości i realizmu), ujęcia z dźwigu (jest to mniej więcej ujęcie dolly w powietrzu), obiektywy zmiennoogniskowe (to zmienia powiększenie obrazu, zmieniając pozycja widzów powoli lub szybko), ujęcie z lotu ptaka (ujęcie podobne do ujęcia z dźwigu, ale wykonane z helikoptera i zwykle używane jako ujęcie wprowadzające na początku filmu).
Krok 2. Przyjdź w czasie rozmowy
To jest w zasadzie wtedy, gdy ekipa przychodzi, aby wszystko ustawić. Jeśli masz asystenta reżysera, nie musisz tam być, ale i tak dobrze jest pokazać. Możesz zacząć myśleć o zdjęciach na dany dzień i zastanowić się, jak najlepiej je wykonać i czy musisz coś zmienić.
Krok 3. Przećwicz ujęcie
Zanim zaczniesz kręcić ujęcie i gdy twój zespół techniczny przygotowuje sprzęt, poprowadź aktorów przez ujęcie i dowiedz się, co będą robić w stosunku do kamery (gdzie będą stać, jakiego rodzaju strzały, których będziesz używać, jak będą mówić swoje kwestie).
Eksperymentuj z wizjerem, aby sprawdzić, jak będą wyglądać różne ujęcia. W tym momencie możesz chcieć zmienić i przedefiniować niektóre ze swoich scen i ujęć, aby uzyskać najlepszą możliwą scenę
Krok 4. Skonfiguruj ujęcie
Przy każdym ujęciu musisz znać ogniskową, położenie kamery, znaki aktorów (miejsce, w którym muszą stanąć itp.), jakich obiektywów użyć i ruch kamery. Zaplanujesz ujęcie, wykorzystując wszystkie te czynniki, ze swoim operatorem.
Teraz, w zależności od tego, jakim jesteś reżyserem i jakiego masz operatora (może to ty decydujesz o ujęciach), będziesz musiał nadawać mniej lub bardziej kierunek. Porozmawiaj z nimi o oświetleniu i kamerze, aż zdjęcie będzie gotowe do wykonania
Krok 5. Sfilmuj ujęcie
Filmowanie nie trwa tak długo i zazwyczaj kręci się krótką scenę. Przebiegasz przez scenę, używając ruchu kamery, położenia itp., które już omówiłeś ze swoim operatorem. Kiedy zadzwonisz do cięcia, możesz przejść do obejrzenia ujęcia, aby zobaczyć, jak poszło.
Krok 6. Przejrzyj ujęcie
Natychmiastowe zapoznanie się z ujęciem na monitorze wideo pozwala zastanowić się, jak ulepszyć scenę, jak bardzo zbliża się do oryginalnego pomysłu. Potem będziesz powtarzać scenę, dopóki nie wytrzyma twojej analizy.
To bardzo różni się od późniejszego recenzowania ujęć w montażowni. Masz czas, jasność i perspektywę, aby zobaczyć wszystko, co mogłeś zrobić, aby ulepszyć tę scenę
Część 4 z 4: Wykończenie
Krok 1. Edytuj film
To, co próbujesz zrobić w tym momencie, to połączyć edycje filmu w sposób, który jest płynny, płynny i spójny. Zasadniczo chcesz ograniczyć akcję, aby nie nudzić publiczności. Oznacza to, że w trakcie wykonywania akcji przechodzisz od jednego ujęcia do drugiego (jak John otwierający drzwi do salonu). Połączysz strzały z pierwszą częścią ruchu Johna w szerokim ujęciu i drugą częścią w ciaśniejszym ujęciu.
- Cięcie przy ruchu poprzecznym ramy jest typowym ujęciem odsłaniającym. Na przykład średnie ujęcie dwóch rozmawiających mężczyzn, jeden porusza się i pokazuje zbliżenie na twarz złoczyńcy.
- Wytnij pustą ramkę, w której pojawia się obiekt. Na przykład często używa się tego, gdy ktoś wysiada z samochodu, gdzie widać tylko stopę. Stopa wchodzi w pustą ramę.
- Pamiętaj, że podczas cięcia potrzeba około 2 klatek filmu (co odpowiada około 1/12 sekundy), aby oczy widzów przełączyły się z jednej strony ekranu na drugą.
- Jeśli jesteś nowicjuszem w edycji filmów, istnieje mnóstwo bezpłatnych programów do edycji i zasobów, które możesz znaleźć w Internecie.
Krok 2. Wykonaj kompozycję muzyczną
W przypadku ścieżki dźwiękowej będziesz chciał się upewnić, że dobrze współgra z filmem. Nie ma nic gorszego niż partytura, która nie pasuje do tonu i wyglądu filmu. Omawiając kompozycję muzyczną z kompozytorem, porozmawiaj o stylu muzyki, instrumentacji, szybkości muzyki, sygnałach muzycznych itp. Kompozytor musi znać twoją wizję filmu, aby stworzyć odpowiednią muzykę.
- Posłuchaj utworów demonstracyjnych udostępnionych przez kompozytora, aby śledzić, jak się tam kończy i gdzie należy wprowadzić zmiany.
- Teraz, jeśli sam tworzysz muzykę, musisz upewnić się, że nie kradniesz muzyki chronionej prawem autorskim do swojego filmu, ponieważ możesz mieć z tego powodu kłopoty. Wiele razy w swoim mieście lub mieście można znaleźć tanich kompozytorów. Nie będzie to poziom profesjonalny (ale twój film prawdopodobnie też nie jest), ale nadal może sprawić, że będzie brzmiał dobrze.
- Jest różnica między ścieżką dźwiękową a partyturą. Ścieżka dźwiękowa to wcześniej nagrana muzyka, która pasuje do sceny lub sekwencji poprzez treść, rytm i nastrój. Score to muzyka, która towarzyszy konkretnym obrazom lub motywom w filmie (jak „motyw rekina” w Szczękach).
- Jeśli masz ograniczony budżet, możesz znaleźć muzykę bez tantiem do wykorzystania w swoim filmie.
Krok 3. Dodaj miksowanie dźwięku
Oznacza to upewnienie się, że ścieżka dźwiękowa pasuje do gotowego i zmontowanego filmu. Oznacza to również wchodzenie i dodawanie dźwięków, które należy dodać, lub wzmacnianie dźwięków już istniejących. Możesz edytować dźwięki, których nie powinno tam być (np. samolot lecący nad głową) lub edytować dźwięki, które powinny.
- Dźwięk diegetyczny oznacza, że dźwięk jest wytwarzany przez coś, co publiczność może zobaczyć na obrazie lub ujęciu. Chociaż zwykle jest to rejestrowane podczas filmowania, prawie zawsze jest ulepszane później, a także dodawane są takie elementy, jak dźwięk otoczenia (na zewnątrz) i dźwięk pomieszczenia (w pomieszczeniu), aby ukryć takie rzeczy, jak samolot lecący nad głową, ale aby hałas w tle nie zupełna cisza.
- Dźwięk niediegetyczny oznacza, że dźwięk dochodzi spoza obrazu, jak w narracji lub partyturze muzycznej.
Krok 4. Pokaż ukończony film
Teraz, kiedy już nakręciłeś film, zmontowałeś go i dodałeś różne dźwięki, możesz się nim pochwalić. Czasami oznacza to zebranie przyjaciół i rodziny i pokazanie swojej ciężkiej pracy, ale zwykle możesz też znaleźć inne sposoby, zwłaszcza jeśli jest to dla ciebie coś ważnego.
- Wiele miast i stanów ma festiwale filmowe, na które można wejść. W zależności od jakości filmu może nawet wygrać, ale zobaczy go przynajmniej szersza publiczność niż twoja rodzina i przyjaciele.
- Jeśli masz producenta, zwykle jest to coś, nad czym pracowali i zazwyczaj nie dostaniesz zielonego światła dla swojego projektu, jeśli po jego zakończeniu nie zaplanowano jakiejś dystrybucji.
Porady
- Kiedy poprawiasz aktorów, bądź stanowczy, ale nie bądź wredny. Potrzebujesz, aby aktorzy cię szanowali.
- Zajęcia aktorskie to dla reżyserów świetny sposób na poznanie tajników bycia aktorem i znacznie ułatwi kierowanie nimi, ponieważ znasz metody i terminologię, z którą mogą pracować.
- Jeśli naprawdę poważnie myślisz o byciu reżyserem, powinieneś studiować filmy, które lubisz, aby zobaczyć, jak film został nakręcony i jak wyreżyserowano aktorów. Powinieneś czytać scenariusze i książki o filmie, takie jak Gramatyka języka filmowego.
- Niech aktorzy zgłaszają sugestie, ale nadal bądź stanowczy, ponieważ to twoja produkcja filmowa.
- Nie bój się zmieniać scenariusza, jeśli ci się nie podoba – w końcu to twój film. Bądź kreatywny!
Ostrzeżenia
- Jeśli twoi aktorzy nie czują się z tobą komfortowo, nie będziesz miał dobrego doświadczenia ani dobrego filmu.
- Nie zrobisz jakiegoś przeboju kinowego za pierwszym razem, gdy będziesz reżyserować film. Jeśli myślisz o tym poważnie (a nie tylko dobrze się bawisz, co jest w porządku!), będziesz musiał ciężko pracować i prawdopodobnie iść do szkoły filmowej.
